Podcast Grandes Nomes do Rock #29: Guns N' Roses

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Essa semana, o Podcast Grandes Nomes do Rock homenageia um dos principais grupos do rock mundial no final da década de 80 e início dos 90, os americanos do Guns N' Roses. Em uma hora e meia de programa, conheceremos a história de Axl Rose, Slash, Izzy Stradlin e demais músicos do grupo, através de canções da carreira do Guns N' Roses, versões originais de canções que o grupo gravou como covers, o bloco O DISCO e também participações solos dos ex-integrantes.

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Formado em 1985 a partir da fusão do Hollywood Rose e do L. A. Guns, o Guns N' Roses se tornou sinônimo de sucesso, escândalos, polêmicas e milhares de fãs ao redor do planeta. Do Hollywood Rose saíram os membros Axl Rose (voz) e Izzy Stradin (guitarra), enquanto do L. A. Guns, Tracii Guns (guitarra), Ole Beich (baixo) e Rob Gardner (bateria) completaram o time.

A união dessa formação não durou mais do que cinco apresentações, pois logo a formação passou a contar com Duff McKagan (ex-Road Crew) no lugar de Beich e Slash no lugar de Tracii, sendo Slash um exímio guitarrista que teve uma rápida passagem pelo Hollywood Rose. O grupo começou a compor canções e fazer shows com relativa frequência, até que durante uma série de shows pela Califórnia, Gardner foi substituído por Steven Adler, dando origem para uma das mais poderosas formações do rock dos anos 80, com Axl Rose (voz), Duff McKagan (baixo, vocais), Izzy Stradlin (guitarras, vocais), Slash (guitarras) e o próprio Adler (bateria).

A formação clássica: Steve Adler, Izzy Stradlin, Slash, Axl Rose e Duff McKagan

A estreia dessa formação foi na turnê batizada de Hell Tour, que levou o nome do Guns N' Roses até os empresários da Geffen Records, com o qual assinaram para gravar seu primeiro LP. Em 1986, registram o EP Live?! *@ Like a Suicide em uma tiragem limitada de apenas 10 mil cópias, contando com quatro canções: "Reckless Life", "Nice Boys", "Move to the City" e "Mama Kin". Essas 10 mil cópias fizeram um relativo sucesso, e os nomes de Axl Rose e Slash começavam a se destacar entre os jovens americanos.

Este EP registra a apresentação no Halloween de 1986 no UCLA's Ackerman Ballroom, abrindo para o Red Hot Chili Peppers, se tornando um raro item de colecionador. Não tardou para sair o primeiro LP oficial do grupo. Em 21 de julho de 1987, Appetite for Destruction estourou nas paradas mundiais graças a hinos como "Sweet Child O' Mine", "Paradise City" e "Welcome to the Jungle". O álbum conquistou facilmente o primeiro lugar em vendas em países como Estados Unidos, Argentina e Brasil, vendendo mais de 28 milhões de cópias ao redor do mundo e alavancando o nome Guns N' Roses para o cenário dos mais importantes grupos da história americana.

Uma das várias prisões de Axl

Assim, passam a fazer shows cada vez maiores, trazendo como consequência, o aumento do ego de Axl Rose e do consumo de drogas, principalmente por parte de Slash e Adler. O grupo viajou por todos o Estados Unidos e fez sua primeira apresentação na europa, sendo uma das principais atrações do Monsters of Rock de 1988, ao lado do Iron Maiden. Durante a apresentação do Guns nesse festival, dois fãs acabaram sendo pisoteados até a morte, já que a capacidade do local era menor do que o número de pessoas que estavam lá para assistir ao grupo. A imprensa sensacionalista acabou acusando Axl e cia. de incitarem a violência contra os fãs, continuando tocando mesmo assistindo a tragédia ocorrer. Essa foi a primeira das muitas encrencas entre imprensa e Guns N' Roses.


A turnê de Appetite for Destruction levou a mídia a batizar o grupo de "A banda mais perigosa do mundo", principalmente pelo comportamento extra-palco de Slash, Stradlin e Adler, sempre chapados e descompromissados, além de Axl cada vez mais crescer seu lado egoísta.

Guns N' Roses, após a gravação de G N' R Lies

Depois da agitada turnê, voltam para os estúdios para registrar o segundo LP. Aproveitando-se das canções de Live?! *@ Like a Suicide, registram mais quatro canções em estúdio, e assim, com oito canções, G N' R Lies chegou as lojas em 1988, alcançando logo na primeira semana a segunda posição em vendas na Billboard, carregado principalmente pelo sucesso da balada "Patience". Novamente, outra polêmica envolveu o grupo, dessa vez em relação a canção "One in a Million", que por causa das palavras "niggers" e "faggots" fez com que a imprensa acusa-se ao Guns, e principalmente à Axl, de racismo e homofobia.


O lançamento de G N' R Lies fez com que a banda conquistasse o prêmio de Artista Favorito do Heavy Metal e Álbum Favorito do Heavy Metal (no caso, Appetite for Destruction) no ano de 1990, através da American Music Awards. Durante a premiação, Slash e McKagan apareceram visivelmente chapados. Esse comportamento passou a refletir também na relação com Axl Rose, que deu um ultimato para o consumo de drogas dos membros, vindo a público falar sobre seus problemas com heroína e também dos problemas com cocaína de alguns membros do grupo, ao mesmo tempo que eram a banda de abertura do Rolling Stones durante a Steel Wheels Tour. 

Guns N' Roses: sexo, drogas e muita diversão

O problema com drogas abalava principalmente Adler, que por exemplo, durante a gravação de "Civil War", uma das primeiras canções para o novo álbum, teve que fazer mais de 30 sessões para concluir sua parte. Assim, ele foi despedido em julho de 1990, sendo substituído por Matt Sorum (ex-The Cult). Outra importante modificação no line-up do Guns foi a entrada de Dizzy Reed para os teclados, bem como Axl estourando sua raiva contra o empresário Alan Niven, despedindo-o e colocando em seu lugar Doug Goldstein.

Esse foi o período de maior criatividade musical de Axl, Stradlin e Slash. Empregando influências de progressivo ao metal, bem como revigorando o punk através de pesadas distorções, o agora sexteto grava material suficiente para dois álbuns. De maneira inesperada, em 27 de setembro de 1991 chegou as lojas os LPs Use Your Illusion I e Use Your Illusion II.


Apesar de serem ambos LPs duplos (CDs simples), incrivelmente nos seus lançamentos eles chegaram nas duas primeiras posições em vendas, com Use Your Illusion II sendo o primeiro lugar. Ambos permaneceram 108 semanas entre os mais vendidos, e marcaram o auge da carreira do Guns N' Roses. Com muita criatividade, o grupo investiu em um gigantesco palco para promover os álbuns, além de também cair pesado na concepção, construção e elaboração de vídeos repletos de efeitos especiais, destacando "November Rain", "Estranged", "Don't Cry", "You Could be Mine",  e "Live and Let Die", sendo que os três primeiros fazem parte dos vídeos mais caros da história.


O investimento valeu a pena, já que "November Rain" tornou-se o vídeo mais pedido da MTV americana, recebendo o prêmio de melhor vídeo em 1992. Além disso, essa é a mais longa canção a chegar entre as Dez Mais, com seus oito minutos e cincoenta e sete segundos. Aliás, as longas canções foram um dos destaques de ambos os LPs. "Coma", "Locomotive", "November Rain" e "Estranged" viraram sinônimos da melhor performance individual de cada um dos seis membros do grupo.


Para se ter uma ideia da importância em vendas dos Use Your Illusions, a primeira versão foi terceiro lugar na Suíça, Suécia e Noruega, segundo lugar nos Estados Unidos, Inglaterra, Austrália, Nova Zelândia, Brasil, Argentina e Áustria e primeiro no Canadá, enquanto a segunda versão foi segundo na Suíça e Noruega, e primeiro no Reino Unido, Austrália, Estados Unidos, Nova Zelândia, Áustria, Brasil e Argentina, sendo que no final da década de 90, Use Your Illusion I ficou na posição 71 e Use Your Illusion II na posição 67 dos mais vendidos da década.

Os participantes da Use Your Illusion Tour

O Guns N' Roses partiu para uma gigantesca turnê mundial, contando com um gigantesco palco e com a participação dos músicos convidados Teddy Andreadis (vocais, harmônica, percussão, teclados), Roberta Freeman (vocais), Tracey Amos (vocais), Cece Worrall (metais), Anne King (metais) e Lisa Maxwell (metais). Foi nessa turnê que o grupo fez suas primeiras apresentações no Brasil, durante a segunda edição do Rock in Rio, tendo como auge a incrível apresentação no Freddie Mercury Tribute, além da turnê ao lado de Metallica e Faith No More, batizada de Guns N' Roses / Metallica Stadium Tour, que passou por 25 grandes estádios dos Estados Unidos e Canadá entre julho e outubro de 1992, todos com a lotação esgotada.


Obviamente, os incidentes entre banda, fãs e imprensa foram inumeráveis. Por exemplo, durante a tour com o Metallica, o guitarrista James Hetfield sofreu queimaduras de segundo e terceiro grau em seu braço esquerdo durante as explosões de "Fade to Black" na apresentação do dia oito de agosto, no estádio Olímpico de Montreal. O Metallica foi forçado a cancelar sua apresentação, gerando um longo atraso para a entrada do Guns. 


Quando Axl e cia. subiram ao palco, nenhum dos equipamentos de retorno estava preparado para o início da apresentação. Axl, enfurecido, abandonou o palco, seguido do resto do grupo. O show foi cancelado e o público invadiu as ruas de Montreak, quebrando carros, vidraças e o que aparece-se pela frente. Algumas imagens dessa arruaça pode ser conferida nesse vídeo.

O incidente em São Paulo

Outro famoso incidente ocorreu no Brasil em 1991. Durante a estada do grupo no Copacabana Palace, centenas de fãs aguardavam ansiosamente a presença de Axl Rose na Av. Atlântida. Irritado com a gritaria do pessoal, Axl acabou jogando um telefone pela janela do hotel bem na cabeça de quem estava por lá. Em dezembro do ano seguinte, outro comportamento temperamental aconteceu em São Paulo, com Axl brindando os jornalistas com uma cadeira sendo arremesada contra os mesmos dentro do saguão do hotel onde iria ser realizada uma conferência.


Um dos fatos mais bizarros aconteceu em uma apresentação em St. Louis, em 1991. Durante "Rocket Queen", Axl percebeu que havia uma pessoa fazendo fotos do show com uma câmera amadora. O vocalista pediu para a segurança do local tirar o rapaz. Como a segurança não o fez, Axl pulou na plateia e agrediu o cidadão no meio da canção. Inconformado, o vocalista foi separado pelo pessoal do "deixa-disso", e anunciou "Obrigado por essa segurança cuzona, eu vou para a casa", deixando 2 mil e 500 fãs enfurecidos, e um prejuízo de mais de 200 mil dólares como consequência.


Outro fato importante ocorrido nessa turnê foi a saída de Stradlin, que formou o Ju Ju Hounds, e a entrada de Gilby Clarke. Isso ocorreu em 07 de novembro de 1991, e, segundo Stradlin, o comportamento de Axl fora dos palcos e a dificuladade de Slash, Sorum e McKagan se manterem sóbrios durante a turnê forem decisivos para ele perceber que aquela não era a vida que ele planejava.

Premiação pelas vendas dos Use Your Illusion

Enfim, a turnê dos Use Your Illusion rendeu muitas histórias, e também sucesso para o Guns. Entre 20 de janeiro de 1991 e 17 de julho de 1993, foram realizados  194 shows em 28 meses, a maioria deles em arenas lotadas. O último show, realizado em Buenos Aires, também marcou a última apresentação com Slash e McKagan, bem como a despedida de Sorum e Clarke, os quais foram despedidos por Axl pouco depois do lançamento do quinto álbum do grupo.


Ainda em 1993, cansados pela extensa turnê, os membros do Guns N' Roses, se reuniram para gravar um álbum somente com covers. Assim, nasceu The Spaghetti Incident?. O grande sucesso desse álbum foi "Since I don't Have", originalmente gravada pelos Skyliners, mas a grande polêmica ficou pela inclusão de "Look at Your Game, Girl", uma faixa de Charles Manson.


The Spaghetti Incident? vendeu bem logo no início de seu lançamento, mas com o passar do tempo, não atingiu o que seus antecessores já havia conquistado. Além disso, o gênio indomável de Axl estava incontrolável, e a solução foi todos sairem em férias, ao mesmo tempo que se concentrariam para gravar um novo material. Nesse período, McKagan lançou seu álbum solo Believe in Me.

Axl Rose e Matt Sorum (em pé); Duff McKagan, Dizzy Reed, Slash e Izzy Stradlin (sentados)

Em dezembro de 1994, são convidados para participar da trilha sonora do filme "Entrevista com Vampiro", onde gravam uma versão para a clássica "Sympathy for the Devil", do Rolling Stones, saindo também em um single especial. Nessas alturas, o guitarrista Paul Huge já havia substituído Clarke, sendo que esse foi o último registro a contar com Slash, McKagan e Sorum.


Depois de muitas brigas, em outubro de 1996 Slash saiu do Guns N' Roses, seguido de Sorum, que foi despedido em abril de 1997, e McKagan, que pediu as contas em outubro de 1997. Para o lugar de Slash, o ex-Nine Inch Nails Robin Finck foi escolhido, assinando um contrato por dois anos. Mas, o mais curioso é que mesmo sendo apenas Axl, Reed e Finck, o nome Guns N' Roses ainda existia, apesar da última apresentação ter sido em 1993.


Axl chamou o baixista Tommy Stinson e o baterista Chris Vrenna, fazendo uma salada de bateristas durante o período de maio e setembro de 1997, por onde passaram ainda os nomes de Pod e Josh Freese, entre outros. Depois de várias mudanças na formação, o Guns N' Roses estabelecia-se com Axl, Finck, Stinson, Reed e Chris Pitman.


Essa formação começou a longa gravação do próximo álbum do grupo. Antes, a Geffen Records lançou no mercado o excelente ao vivo Live Era '87 - '93 (1999), trazendo apresentações do grupo desde o início de carreira até a turnê de Use Your Illusion. Ainda em 1999, o Guns lançou a canção "Oh My God", a qual aparece no filme " Fim dos Dias". Nessa canção, os guitarristas foram Dave Navarro e Gary Sunshine. Finck voltou para o Nine Inch Nails, sendo oficialmente substituído pelo guitarrista Buckethead, já em 2000. Outra mudança foi a entrada de Bryan Mantia no lugar de Freese. Fink acabou voltando para o Guns, e então, contando ainda com Paul Tobias nas guitarras, passaram a ensaiar para o grande retorno do grupo.

Rock in Rio III

Depois de nove anos, os fãs podiam ver Axl e cia. em cima de um palco para apresentaçãoes em Las Vegas e na terceira edição do Rock in Rio, ambas em janeiro de 2001. Apesar da grande expectativa do lançamento do novo álbum, que já estava batizado de Chinese Democracy, com algumas músicas sendo apresentadas nesses shows, nada ocorria.

Axl e Buckthead

Em 2002, Richard Fortus entrou para o lugar de Tobias, e mais shows foram realizados, agora por europa e ásia, bem como uma apresentação no MTV Video Music Awards, seguida de uma turnê pelos Estados Unidos e Canadá, que, como toda a história do Guns N' Roses, foi cercada de polêmicas, atrasos, lotações esgotadas e diversos shows cancelados, causando muita frustração e quebra-quebra nas cidades onde isso ocorreu.


Em março de 2004, foi a vez de Buckethead sair, mesmo mês do lançamento de Greatest Hits, platina tripla nos Estados Unidos. O Guns permaneceu nas sombras até 2006, quando mais uma turnê foi realizada, agora pela europa e Estados Unidos, contando com a presença do novo guitarrista, Bumbblefoot. Um dos grandes momentos dessa turnê foi a participação de Stradlin como convidado especial em alguns shows. O baterista Frank Ferrer também entrou no grupo, substituindo Mantia.

Foto de promoção da turnê de Chinese Democracy

Depois de muitos anos de expectativa, shows e prorrogações, em 23 de novembro de 2008 finalmente Chinese Democracy foi lançado. Para muitos, uma grande decepção. Para outros, um bom disco, que mostra a capacidade que Axl Rose ainda tem de compor e também o bom trabalho das guitarras. Canções como a faixa-título, "Better", "Madagascar" e "Street of Dreams", as quais já vinham sendo apresentadas ao público durante as turnês anteriores, agradaram a maioria dos fãs, fortalecendo uma nova turnê, cercada de muitas polêmicas como de costume, e que passou pelo Brasil entre março e abril de 2010. Essa turnê contou com a presença de Duff McKagan no show da Inglaterra, em 14 de outubro do mesmo ano.

Axl e seus milhares de fãs na turnê de 2010

Atualmente, o Guns N' Roses está em processo de composição de um novo álbum,  além de ensaios para a apresentação no próximo Rock in Rio, em setembro desse ano. O novo álbum deve ser lançado no ano que vem, isso se atrasos como o de Chinese Democracy não surgirem, já que quando falamos de Axl Rose, tudo pode acontecer.

Vinis ligados ao Guns N' Roses

Track list Podcast # 28 - Supertramp

Bloco 01

Abertura: "Your Poppa Don't Mind" [do álbum Indelibly Stamped - 1971]

"Aries" [do álbum Indelibly Stamped - 1971]

"From Now On" [do bootleg BBC Sessions - 1993]

"Don't Leave Me Now" [do álbum ... Famous Last Words - 1982]

"It's A Hard World" [do álbum Some Things Never Change - 1993]

Bloco 02

Abertura: "Dreamer" [do bootleg England - 1977]

"School" [do bootleg Super Golden Radio Shows no 8 - 1975]

"Rudy" [do álbum Crime of the Century - 1974]

"Hide in Your Shell" [do bootleg BBC Sessions - 1993]

"Crime of the Century" [do álbum Crime of the Century - 1974]

Bloco 03

Abertura: "The Meaning" [do álbum Crisis? What Crisis?]

"Breakfast in America" [do álbum Triple J: Like A Version - 2007 (Gomez)]

"Give a Little Bit" [do álbum Live in Buffalo: July 4th 2004 - 2004 (Goo Goo Dolls)]

"Take the Long Way Home" [do álbum Undercover - 1994 (Trixter)]

"Fábula" [do álbum Luau MTV - 2004 (Engenheiros do Hawaii]

Bloco 04

Abertura: "Free as a Bird" [do álbum Live '97]

"Try Again" [do álbum Supertramp - 1970]

"Fool's Overture" [da apresentação Live in France - 2004 (Roger Hodgson)]

"Brother Were You Bound?" [do álbum Brother Were You Bound - 1985]

Encerramento: "Downstream" [do bootleg One More for the Road - 2002]

Star Fleet Project

O ano é 1983. Havia passado um ano desde o lançamento do  ícone do rock britânico Queen, o conturbado Hot Space.  A turnê de divulgação do LP, junto ao afloramento sexual de Freddie Mercury, acabou levando o grupo para uma crise interna de proporções gigantescas. A solução encontrada para o não término do Queen foi que cada um tirasse umas longas férias.

Nesse período, Roger Taylor (bateria), se mandou para a Escócia, John Deacon (baixo) voltou para os estudos de eletrônica e para sua família, enquanto Mercury excursionou por projetos paralelos e carreira solo. Apenas o guitarrista Brian May ficou a ver navios e sem ter o que fazer. Não querendo abandonar a música, mas querendo abandonar o Queen, May buscava alguma inspiração para tentar arranjar forças e lançar-se em uma carreira solo.

Caixa com a série completa de Star Fleet

Foi quando em um belo dia de janeiro de 1983, em sua casa, May viu que seu filho Jimmy estava vidrado em um programa de TV. Esse programa era uma série de ficção científica da TV britânica, com diversos efeitos visuais para as batalhas dos heróis, os quais pilotavam veículos espaciais que podiam reconfigurar-se em gigantescos robôs durante as batalhas contra alienígenas que viajam em aeronaves em formato de inseto, gerando pequenas máquinas de guerra, tudo para possuir o segredo de F Zero One.

Apesar da bizarra história, May ficou fascinado com a série, e principalmente, com a trilha sonora do programa, batizado de Star Fleet, a qual foi composta por Paul Bliss. Assim, decidiu fazer uma versão para a trilha, a qual ele batizou de "a versão hard para Star Fleet". 

Confortado com a ideia, ele começou a ligar para alguns amigos, ver se os mesmos estavam disponíveis, e se aceitavam fazer a gravação da mesma, já que ele queria presentear o garoto que lhe apresentou a série com a canção. Os quatro primeiro samigos que ele ligou logo aceitaram participar. Eles eram Alan Gratzer (bateria), Phil Chen (baixo), Fred Mandel (teclados) e Eddie Van Halen (guitarra).

Brian May, Eddie Van Halen, Phil Chen e Fred Mandel

Nos dias 21 e 22 de abril de 1983, o quinteto se uniu para fazer o registro da trilha de Star Fleet no Record Plant Studios, de Los Angeles. Como as gravações ocorreram muito bem, sobrou tempo no estúdio, que os levou a gravar algumas improvisações. Passado as gravações, Brian entregou a fita para o menino e mostrou a gravação para diversos amigos, que acabaram o aconselhando a lançar o material em um LP, já que o que estava contido nas gravaçõesera um registro únido do guitarrista do Queen fora da banda.


Assim nasceu o EP Star Fleet Project. Lançado ainda em 1983, com o título da banda de Brian May + Friends, este é um álbum que passou despercebido até mesmo pelos fãs do Queen. Muitos nem se quer se animam a ouvir, devido a capa do mesmo com seu robô espacial, e a maioria desconhece a participação de Eddie Van Halen nas seis cordas.

Eddie Van Halen e Brian May

Pobres mortais! Star Fleet é uma amostra de como Brian May sabe tocar vários estilos, sem se prender ao andamento do Queen, e ainda, de como Eddie Van Halen no início dos anos 80 era o melhor guitarrista que a Terra tinha sobre seus pés. O álbum abre com "Starfleet", onde os acordes da guitarra de Brian são acompanhados pelos harmônicos de Van Halen, trazendo a bateria em um ritmo bem anos oitenta. Aqui já podemos perceber um detalhe importante: a mixagem privilegiou as guitarras, deixando bem claro quem é que está fazendo sua parte principalmente pelos diferentes estilos de May e Van Halen.


Os vocais de Brian surgem sobre o ritmo oitentista, tendo ao fundo intervenções vocais na linha do Queen, e também a destacada participação dos sintetizadores. Após a segunda repetição do refrão, começa a sequência de solos, primeiro com Brian, seguindo seu estilo tradicional, e depois com Van Halen, abusando de harmônicos. Os vocais retornam cantando o nome da canção, levando para mais uma sequência de solos, agora começando com Eddie.


A letra é repetida, encerrando a canção com seu nome sendo cantado e carregada de sintetizadores, partindo então para uma longa sessão instrumental onde Brian e Van Halen brincam em cima dos acordes centrais da mesma, de onde Eddie brota fazendo um rápido solo, seguido pelo solo de Brian, e terminando com uma sequência de solos de ambos.


A seguir, começa a sessão de improvisos, primeiro com "Let Me Out", onde piano e baixo fazem a introdução de um leve blues, com Brian cantando sobre o bom andamento da canção. May é o responsável pelo primeiro solo, cantando a sequência da letra, a qual já havia sido escrita para entrar em algum álbum do Queen, mas nunca mereceu uma chance. Van Halen faz o segundo solo, e então o blues come solto, em um ritmo embriagante, crescendo na espetacular sequência de solos de Brian e Van Halen, com os dois guitarristas totalmente relaxados, executando solos fantásticos e empregando suas diferentes técnicas para arrancar o mais feeling blues que você poderá ouvir de ambos, encerrando o lado A em um clima de total descontração com Brian entoando o nome da canção, e com Eddie estourando uma das cordas de sua guitarra.

Contra-capa de Star Fleet Project

O lado B é totalmente dedicado para a jam "Bluesbreaker (Dedicated to E. C.)". E. C. significa Eric Clapton, e se você pensou que só ia ouvir blues em "Let Me Out", está redondamente enganado. May e Van Halen estraçalham em um blues espetacular, nessa incrível jam session com solos memoráveis, começando com Van Halen solando timidamente, seguido de Brian em uma linha rock 'n' roll, sem firulas ou técnicas extravagantes. Eddie passa a usar acordes de blues, aplicando velocidade ao manhoso ritmo de piano, baixo e bateria, e a canção cresce em ritmo com Brian, que despeja distorções e escalas velozes ao lado de bends e alavancadas, sem perder a pose bluesística.


Estamos no centro da orgia bluesy, e Eddie parece uma mistura de Jimmy Page (Led Zeppelin) e Eric Clapton, totalmente diferente de seu estilo habitual, enquanto May solta bends rasgados, fazendo a guitarra gritar como poucos. Arpejos então é a 'arma' de Eddie para seu quarto solo, mesma técnica empregada por Brian. A sequência de solos nessa altura já tomou conta do seu corpo, e finalmente, Van Halen faz as suas mágicas escalas que são impossíveis de serem reproduzidas, chegando no momento onde ambos os guitarristas solam juntos, com muitos bends e arpejos.

Encarte do LP

Fred Mandel ganha seus segundos de fama, com um interessante solo ao piano, trazendo a guitarra de Brian para entrar na sequência final de solos, dessa vez solando mansamente, com notas engasgadas que são repetidas por Van Halen, um monstro na guitarra, com sua mão direita sendo muito veloz. O grupo para, deixando Mandel sozinho para puxar o ritmo de um dançante rock 'n' roll, seguidopor baixo e bateria. As guitarras aparecem vagarosamente, e May faz mais um solo neste novo ritmo, encerrando a canção do nada, com algumas conversas ao fundo e monstrando que o quinteto estava à vontade, apenas improvisando.

Festa de lançamento de Star Fleet Project, contando com May (esquerda), Van Halen (direita), John Entwistle (centro, ao lado de Eddie) e diversos convidados

Como Brian escreveu no encarte do vinil: "você pode nos ouvir sorrindo como que em um busca de respostas para as notas de guitarra um do outro". Esse é o clima de Star Fleet Project: relaxado, tranquilo e sem exibicionismo. Dois monstros da guitarra apenas tendo o prazer de tocar seu instrumento.


Sou um dos poucos que conheço que gostam desse disco. Para todos os que nunca ouviram por preconceito, ou medo, eu digo: deixem isso de lado e adquiram já este valioso material. Se você gosta de guitarras bem tocadas, você não irá se arrepender!

Maravilhas do Mundo Prog: Flower Travellin' Band - Satori [1971]

Os nomes nipônicos progressivos apresentados até o momento são recentes. Porém, no início da década de 70, o rock progressivo já era uma marca registrada no Japão. Dezenas (se não centenas) de bandas empregavam a sonoridade clássica misturada ao jazz e muito virtuosismo. Outras, expandiam a sonoridade hard rock através de longas suítes, trabalhadas exaustivamente e que se tornaram clássicos com o passar dos anos. 

Esse é o caso da Flower Travellin' Band. Formado no início de 1970 pelo compositor, vocalista e guitarrista Yuya Uchida, Akira "Joe" Yamanaka (Vocais), Hideki Ishima (guitarra) e George Wada (bateria), o quarteto teve uma carreira muito curta, de apenas três álbuns, mas que modificaram para sempre o destino da música no Japão. As origens da Flower Travellin' Band estão no jurássico grupo The Flowers, responsável por uma das mais impressionantes maravilhas do mundo prog (que será tratado na próxima semana). Contando com sete membros, o The Flowers deixou de existir justamente pelos custos para se manter o pessoal da banda, deixando aos mortais apenas um álbum, o não tão expressivo Challenge (1969), que traz diversas covers e incapaz de mostrar toda a sonoridade que o grupo exaltava nos shows.

Yuya Uchida

Com o término dos The Flowers, Uchida passou a vagar pelos subúrbios de Tóquio a fim de encontrar novos membros que alavancassem suas ideias, fortemente influenciadas pelo rock britânico de bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin, Experience e Cream. Foi durante a versão japonesa de Hair que Uchida conheceu Yamanaka, o qual já havia participado do grupo Four Nice Ace. Junto aos remanescentes do The Flowers Ishima e Uwada, participam de um festival chamado Rock'n'Roll Jam 70, onde se consagraram como principal atração.

Decidido a não ser mais um músico, concentrando-se na produção musical do grupo, Uchida levou os novos Flowers a serem convidados pela Capitol Records para ser banda de apoio do tecladista Kuni Kawachi, o que foi registrado no álbum Kirikyogen (1970), um espetáculo sonoro à parte dentro do rock progressivo japonês. Apesar disso, Uchida não ficou agrado com as experiências progressivas, e com a adição do baixista Jun Kosuki, transformou o The Flowers na The Flower Travellin' Band.

A polêmica capa de Anywhere

O bastismo do grupo foi ainda em 1970, com o álbum Anywhere, apresentando covers estonteantes para quatro clássicos do mundo da música: "Black Sabbath" (do Black Sabbath), "Louisiana Blues" (Muddy Waters), "House of the Rising Sun" (Animals) e "21th Century Schizoid Man" (King Crimson), além das vinhetas "Anywhere". A polêmica capa com todos os membros nus, chamou mais atenção do que a pesada musicalidade do grupo, que apresentava um repertório ainda desconhecido para os japoneses, já que essas canções haviam acabado de sair do forno na Inglaterra (com exceção de Louisiana Blues).

Mesmo assim, o grupo cresceu, passando a fazer um show atrás do outro e criando uma legião de fãs por toda a ilha asiática. Isso os levou a assinar contrato com a Atlantic Records, que decidiu investir pesado nos garotos. Uchida, assim, passou a elaborar sua obra-prima, que misturaria o peso rock ocidental com sutilezas da música oriental. Assim, nasce "Satori".

Momentos de elaboração de Satori

Com uma força magnânima, imponência e muitos minutos de delírios instrumentais e vocais, "Satori" foi lançada no vinil de mesmo nome, no dia 25 de abril de 1971. O significado da palavra, Iluminação através do zen, serve bem para exemplificar o auge da inspiração de Uchida e seus colegas de banda, sendo que até os dias de hoje, Satori é considerado como principal LP já lançado no Japão.

Dividida em cinco partes, "Satori" ocupa todo a versão original do vinil,  abrindo com um longo barulho que traz a percussão. Então, um grito insanamente arrepiante dá espaço para o pesado riff da guitarra, acompanhado pela marcação de baixo e bateria, soltando então o segundo riff, em um andamento agitado, chegando às vocalizações imitando Tarzan sobre um terceiro riff. O primeiro riff é repetido, e assim, Yamanaka passa a cantar sobre este riff, lembrando muito o estilo de cantar de Ozzy Osbourne no início do Black Sabbath.

As vocalizações do Tarzan retornam, assim como o primeiro riff, e Yamanaka continua a sequência da letra, para então as vocalizações do Tarzan aparecerem pela última vez. Guitarra e baixo repetem a melodia das vocalizações, com o peso comendo solto, e Yamanaka soltando outro grito insano, encerrando a primeira parte com guitarra, baixo e bateria fazendo notas repetidas durante alguns segundos.

A segunda parte de “Satori” é onde a viagem realmente começa. O ritmo percussivo acompanha a estridente guitarra de Ishima, solando com escalas orientais e em um andamento característico do oriente. Yamanaka canta a letra acompanhado pelo tema oriental das guitarras e pelo ritmo cavalgante de baixo e bateria. Essa sequência é repetida, apenas com uma alteração no solo, repetindo também a letra, com Yamanaka ficando acompanhado somente pela percussão. É a percussão que leva o andamento central dessa segunda parte, que conta com o solo triste e agonizante da guitarra, com um timbre único e impossível de não ser reconhecido a partir do momento que você ouve pela primeira vez.

Jun Kozuki, George Wada, Joe Yamanaka e Hideki Ishima

Chegamos na terceira parte, começando com vinte segundos de barulhos de chuva, com a marcação do baixo de Kozuki imitando trovões. A pequena viagem da parte dois é superada pela maluquice total de “Satori Part 3”. O baixo faz um tema bem suave, com o volume muito baixo, e a entrada da bateria permite que a guitarra repita a melodia do tema do baixo, com o timbre pelo qual você já está hipnotizado. O ritmo marcial lhe leva para um abate sem resistência, e a Flower Travellin’ Band está conduzindo você para entregar-se de corpo e alma nessa viagem. A guitarra de Ishima começa a solar, descontrolada, com notas soltas, esparsas, e praticamente sem sentido, em cima da escala oriental e do acompanhamento sombrio e aterrorizante de baixo e bateria.

O tema oriental da guitarra é repetido, sempre com o andamento marcial ao fundo, até que a canção sofre uma mudança, com a guitarra fazendo quatro acordes que, junto com as viradas de Wada, levam para o belo duelo  entre as guitarras de Ishima, sobrepondo-se em um andamento hardiano fenomenal, onde finalmente você se entrega à genialidade dos japoneses, deixando consumir seu corpo com as doses de adrenalina injetadas pelas guitarras.

Tendo domado sua presa, a Flower Travellin’ Band entra em uma pequena viagem percussiva, onde os barulhos da guitarra e dos pratos voltam a assombrar o recinto, formando uma cadeia de sons que nos leva ao tema oriental que deu início a terceira parte, a qual é encerrada com uma dança russa acompanhando o agora rápido tema oriental.

Wada, Ishima, Yamanaka e Kozuki

“Satori Part 4” é a mais longa e mais leve das cinco partes, começando com acordes jazzísticos da guitarra, puxando então um ritmo hardiano e entoando o riff principal com baixo e guitarra. Yamanaka canta em cima desse riff, com o andamento maluco da bateria sendo a principal atração, além dos efeitos de barulhos espaciais ao fundo. A partir do momento da entrada da harmônica de Yamanaka, o norte da canção é perdido, transformando-a em um delicioso hard-blues onde o solo da harmônica é embriagante como que saindo dos lábios de algum blueseiro negro da década de 30, seguido pelo magistral solo das guitarras de Ishima, com notas bem no estilo britânico de se tocar o instrumento, mas sem perder a dignidade psicodélica/oriental do grupo. Yamanaka fica acompanhado apenas pela bateria, solando na harmônica, e então, baixo e guitarra passam a acompanhar a melodia da harmônica, para a bateria trazer o ritmo inicial, com guitarra e baixo fazendo o riff e repetindo a letra, que encerra essa parte com muito barulho de bateria, guitarra e baixo.

Ishima e sua Sitarla

Por fim, “Satori Part 5” quebra tudo, com o imortal início onde o tema marcado de guitarra, baixo e bateria aterrisa em um novo andamento marcado e assustador, com Yamanaka gemendo cânticos orientais sobre esse andamento, saindo das profundezas de uma cova totalmente escura. Guitarra, baixo e bateria fazem uma rápida marcação, e Yamanaka novamente fica sozinho, soltando seus cânticos, para então Ishima solar, com notas encantadoras. Somos uma cobra-naja sendo levada pelas notas da guitarra, que com suas notas tristes, encaminha “Satori” para seu final derradeiro, o qual é feito pelos gemidos de Yamanaka e com o pesado tema marcado de guitarra, baixo e bateria, além de um gongo fazendo a sua parte nipônica. Os 42 minutos da canção lhe levaram para dimensões jamais descobertas por você, apesar da viagem ter ocorrido dentro de seu quarto. 

Make Up, o disco da mala

Satori era acondicionado em uma linda capa desenhada por Shinobu Ishimaru, talvez a mais bela do rock progressivo que não tenha sido desenhada por Roger Dean (famoso pelas capas do Yes nos anos 70). Depois desse álbum, a Flower Travellin' Band ainda lançou mais dois discos: Made In Japan (1972) e o conceituado (e raro) Make Up, o qual vinha embalado em uma mala marrom, encerrando as atividades em 1974, com Uchida passando a se dedicar à carreira de ator de cinema, e com os demais membros do grupo seguindo em carreiras musicais desiguais, mas tendo deixado um legado eterno não só no Japão, como no resto, destacando o trabalho de Ishima, o qual gravou vários LPs com cítara e também é um dos únicos dois músicos a tocar um instrumento chamado sitarla, o qual é metade guitarra, metade cítara.

Flower Travellin' Band 2008: (Em pé) George Wada e Jun Kobayashi (sentado) Nobuhiko Shinohara, Joe Yamanaka e Hideki Ishima

O grupo se reuniu novamente em 2007, com Wada, Yamanaka, Shima, o tecladista Nobuhiko Shinohara e o baixista Jun Kobayashi, e lançou em 2008 We Are Here.  Após diversos shows pelo Japão entre 2008 e 2009, a ideia de fazer uma excursão mundial para promoção do álbum, apresentando também velhos clássicos, acabou esbarrando no fato de Yamanaka ter sido diagnosticado com Câncer no pulmão em março de 2010.

Não somente dessa Maravilha sobreviveu Uchida, mas antes, outro petardo havia sido composto em 1969, e demorou mais de 30 anos para ser ouvido na íntegra pelos seus fãs. O nome dessa canção você irá conhecer na próxima semana.

Podcast Grandes Nomes do Rock #28: Supertramp

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Essa semana, o Podcast Grandes Nomes do Rock apresenta um dos grupos mais importantes do rock britânico nos anos 70, o essencial Supertramp. Em duas horas de programa, passaremos pela carreira de Rick Davies e companhia, apresentando canções desconhecidas do início psicodélico, um bloco especial com suítes progressivas registradas, o bloco O DISCO, homenageando um LP específico do grupo, além de artistas que regravaram canções compostas pelo Supertramp.

Rick Davies, Roger Hodgson, Richard Palmer, Robert Millar e Dave Winthrop

O grupo foi formado no ano de 1969 através de um anúncio do pianista e vocalista Rick Davies no famoso semanário inglês Melody Maker. Responderam ao anúncio diversos músicos, mas os escolhidos foram Roger Hodgson (baixo - sim, ele entrou como baixista - e vocais), Richard Palmer (guitarras - que faria sucesso como letrista do King Crimson) e Robert Millar (bateria). Naquela época, a A&M Records era uma pequena gravadora londrina, e o grupo foi um dos primeiros a assinar com a mesma, lançando o fabuloso álbum Supertramp no início de 1970. O disco trás ótimas canções, mostrando a banda no estilo flower power do fim dos anos 60, mas também com uma certa tendência progressiva. 

Roger Hodgson, Kevin Currie, Rick Davies, Frank Farrell e Dave Winthrop

Como a banda não fez sucesso, houve uma reformulação dos músicos, primeiro com a entrada de Dave Winthrop (flauta e saxofone), e depois, com a formação ficando com Davies, Winthrop, Hodgson assumindo as guitarras, Kevin Currie (bateria) e Frank Farrell (baixo). Com essa formação lançam Indelibly Stamped (1971). A capa da mulher nua tatuada causou uma certa polêmica, o que fez com que o nome Supertramp ficasse mais conhecido na Europa. 

Formação clássica: Rick Davies, Bob Siebenberg, Roger Hodgson, Dougie Thomson e John Helliwell

Como o Supertramp não emplacava de jeito nenhum, Davies decidiu novamente fazer uma reformulação. Mantendo Hodgson, que agora assumia além da guitarra também os teclados, passou a recrutar membros pela Inglaterra. O primeiro músico a ser agregado foi o baixista Dougie Thomson, o qual já havia participado de alguns shows do grupo no período da primeira modificação. Um grande número de bateristas apareceram para o posto, e o selecionado foi Bob Siebenberg. Por fim, John Helliwell assumiu o posto do saxofone, instrumentos de sopro, vocais e teclados, completando a formação mais importante do grupo.

Ela estreiou com o single de "Land Ho", lançado ainda em 1973, e no primeiro LP, Crime of the Century (1974), conquistou o mundo. Canções como "School", "Bloddy Well Right", "Dreamer" e "Crime of the Century" chegaram entre as 40 mais nos Estados Unidos, fora outras belas canções como "Rudy" e "Hide in Your Shell", que ajudaram a definir a nova sonoridade do Supertramp, onde Davies e Hodgson alternavam as linhas vocais, duelando com teclados, órgão e piano, tendo a participação influente dos sopross de Helliwell e assegurados por uma precisa cozinha formada por Siebenberg e Thomson. O LP atingiu a primeira posição em vendas no Reino Unido. 

O grupo partiu para uma bem sucedida turnê pela europa, e em novembro de 1975, lançou Crisis? What Crisis?, que se não saiu tão bem quanto seu antecessor, deixou para a posteridade pelo menos mais dois clássicos: "Two of Us" e "Ain't Nobody But Me". Mantendo a sequência de um ano em excursão, um ano gravando/descansando, em 1977 voltam as paradas com o fundamental Even in the Quietest Moments. Canções como "Give a Little Bit", "Babanji" e a épica suíte "Fool's Overture", fizeram com que o nome do grupo crescesse cada vez mais, principalmente nos Estados Unidos, para onde decidiram se mudar.

Single japonês de "The Logical Song"

A influência americana apareceu logo no álbum seguinte, inclusive no nome do mesmo: Breakfast in America (1979). Assim como Crime of the Century, Breakfast in America é repleto de clássicos, como "The Logical Song", "Breakfast in America", "Goodbye Stranger" e "Take the Long Way Home", as quais ficaram entre as 15 mais nos Estados Unidos. Este foi o primeiro LP do grupo a chegar na primeira posição na Billboard americana, ficando em terceiro no Reino Unido.

Uma gigantesca turnê elevou o nome Supertramp para o hall dos principais grupos do rock no final dos anos 70, com seus álbuns vendendo e muito. O sucesso culminou no fundamental ao vivo Paris (1980), um dos melhores álbuns ao vivo da história do rock. Nele, versões mais que fiéis e especiais para diversos clássicos do grupo pós-Crime of the Century, recheiam o álbum duplo, com destaque para a versão de "Fool's Overture".

Supertramp no auge da carreira

Porém, o excesso de shows e também problemas pessoais começaram a desgastar a relação entre Hodgson e os demais membros do grupo. Hodgson estava com dois filhos pequenos, e também com problemas de saúde, decidindo então se retirar por um período do mundo da música. 

Assim, em 1982, saiu o último LP com a formação clássica, ... Famous Last Words. Outro álbum de grande sucesso, levou para o topo das paradas "My Kind of Lady" e "It's Raining Again", para então, o Supertramp partir em uma longa turnê de despedida para Hodgson, encerrando em uma apresentação emocionante na Alemanha, em 24 de julho de 1983, e que foi registrada no VHS Live in Germany (1983).


Após isso, Hodgson se mudou para Los Angeles, em uma região nas montanhas da Califórnia, onde ele construiu uma casa e um estúdio particular, dedicando-se primeiramente a uma vida espiritual e focando-se na sua família, para então voltar em uma carreira solo de altos e baixos.

Supertramp, já sem Hodgson

O Supertramp segiu como quarteto, com Davies assumindo todos os vocais, e sem deixar a peteca cair, em 1985 lançam Brother Where You Bound, com destaque para "Cannonball" e para a longa suíte "Brother Where You Bound", uma maravilha prog que conta com a participação de David Gilmour (Pink Floyd) na guitarra. Esse álbum chegou na vigésima primeira posição nos Estados Unidos, mantendo a chama do grupo acesa para a gravação de mais um LP.


Free as a Bird chegou as lojas em 1987, trazendo a participação de Mike Hart nas guitarras e vocais. O grande destaque do LP é a canção "I'm Beggin' You", primeiro lugar nos Estados Unidos. As boas vendas de Free as a Bird colocaram o Supertramp na estrada novamente, inclusive com o grupo vindo pela primeira vez ao Brasil para encerrar a segunda edição do festival Hollywood Rock, em 1988. Dessa turnê, foi registrado o álbum Live '88, contando com Mike Hart como membro-convidado, e após ela, Thomson saiu, inconformado com o uso das canções de Hodgson durante as apresentações.

Supertramp anos 90: Mike Hart, Lee Thornburg, Carl Verheyen, Rick Davies, John Helliwell, Bob Siebenberg, Cliff Hugo e Tom Walsh

Sem um baixista, Davies decidiu encerrar as atividades do grupo temporariamente. Somente em 1996, ele reformou o Supertramp, contando com Helliwell, Siebenberg, Hart (efetivado como membro oficial) e ainda Cliff Hugo (baixo), Lee Thornburg (trompete, trombone), Carl Verheyen (guitarra) e Tom Walsh (percussão). Essa formação lançou o bom álbum Some Things Never Change (1997), saindo em uma bem sucedida turnê que foi registrada no álbum It Was the Best of Times, gravado ainda em 1997, mas lançado apenas em 1999.


Em 2001, chegou as lojas o álbum ao vivo Is Everybody Listening?, trazendo uma apresentação do Supertramp em 1975, e em 2002, Slow Motion encerrou a carreira de álbuns da banda, contando com Jesse Siebenberg na percussão. Por fim, em 2010, a série de álbuns ao vivo 70-10 Tour foi lançada para comemorar os 40 anos do grupo, que fez parte da turnê 70-10, na qual o Supertramp ainda está se apresentando por diversos países ao redor do planeta.

Coleção de vinis do Supertramp

Track list Podcast # 27: It's Only R'n'R and We Love it

Bloco 01

Abertura: "La Bamba" [do álbum Ritchie Valens - 1959 (Ritchie Valens)]
"Johnny B. Goode" [do álbum ... Berry is on Top - 1959 (Chuck Berry)]
"Jailhouse Rock" [do compacto Jailhouse Rock - 1957 (Elvis Presley)]
"Great Balls of Fire" [do compacto Great Balls of Fire - 1957 (Jerry Lee Lewis)]
"Help Me Rhonda" [do álbum Today! - 1965 (Beach Boys)]
"Twist and Shout" [do álbum Please Please Me - 1963 (The Beatles)]
"(I Can't Get No) Satisfaction" [do álbum Out of Our Heads - 1965 (The Rolling Stones)]
"For Your Love" [do álbum BBC Sessions - 1997 (Yardbirds)]
"Little Wing" [do álbum Axis: Bold as Love - 1967 (Jimi Hendrix)]
"Try (Just a Little Bit Harder)" [do álbum I Got Dem 'Ol Kosmic Blues, Again Mama  - 1969 (Janis Joplin)]
"Break on Through (To the Other Side)" [do álbum The Doors - 1967 (The Doors)]

Bloco 02

Abertura: "Sunshine of Your Love" [do álbum Disraeli Gears - 1967 (Cream)]

"Have You Ever Seen the Rain?" [do álbum Pendulum - 1970 (Creedence Clearwater Revival)]

"Born to Be Wild" [do álbum Steppenwolf - 1969 (Steppenwolf)]

"Paranoid" [do álbum Paranoid - 1970 (Black sabbath)]

"Highway Star" [do álbum Machine Head - 1972 (Deep Purple)]

"Rock and Roll" [do álbum IV - 1971 (Led Zeppelin)]

"Shout it Out Loud" [do álbum Destroyer - 1976 (Kiss)]

"Highway to Hell" [do álbum Highway to Hell - 1979 (AC/DC)]

Bloco 03
Abertura: "Sangue Latino" [do álbum Secos & Molhados - 1973 (Secos & Molhados)]
"Ando Meio Desligado" [do álbum A Divina Comédia ou Ando Meio Desligado - 1970 (Mutantes)]
"Rock do Diabo" [do álbum Novo Aeon - 1975 (Raul Seixas)]
"Envelheço na Cidade" [do álbum Vivendo e Não Aprendendo - 1986 (Ira!)]
"Sexo" [do álbum Sexo! - 1987 (Ultraje A Rigor)]
"Será que é Isso que Eu Necessito" [do álbum Titanomaquia - 1993 (Titãs)]
"Puteiro em João Pessoa" [do álbum Raimundos - 1994 (Raimundos)]

Bloco 04

Abertura: "Carry on My Wayward Son" [do álbum Leftoverture - 1976 (Kansas)]

"Anarchy in the UK" [do álbum Nevermind the Bollocks, Here is the Sex Pistols - 1978 (Sex Pistols)]

"London Calling" [do álbum London Calling - 1979 (The Clash)]

"Holiday in Cambodia" [do álbum Fresh Fruit for Rotting Vegetables - 1980 (Dead Kennedys)]

"Pet Sematary" [do álbum Brain Drain - 1989 (Ramones)]

"Breaking the Law" [do álbum British Steel - 1980 (Judas Priest)]

"Aces High" [do álbum Powerslave - 1984 (Iron Maiden)]

Bloco 05
Abertura: "Paradise City" [do álbum Appetite for Destruction - 1987 (Guns N' Roses)]
"The One I Love" [do álbum Document - 1987 (R. E. M.)]
"Epic" [do álbum The Real Thing - 1989 (Faith No More)]
"Smells Like Teen Spirit" [do álbum Nevermind - 1991 (Nirvana)]
"Alive" [do álbum Ten - 1991 (Pearl Jam)]

Encerramento: "Cigarettes and Alcohol" [do bootleg Manchester - 2001 (Oasis)]

Discos que Parece que Só Eu Gosto: Thin Lizzy - Renegade [1981]

                        

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

O Thin Lizzy é um dos principais (se não o principal) grupo de heavy metal da Irlanda. Durante os anos 70, lançou discos que se tornaram ícones entre os apreciadores do estilo. Fighting (1975), Jailbreak (1976) e o essencial Live & Dangerous (1978) são alguns exemplos de como esse grupo podia tocar tão alto e tão melódicamente ao mesmo tempo, soando de uma maneira única, destacando a voz de Phil Lynott (baixo, vocais) e o duelo das guitarras gêmeas de Scott Gorham e Brian Robertson.

Porém, com a chegada dos anos 80, o grupo acabou sofrendo algumas modificações. Robertson seguiu carreira ao lado do Wild Horses e do Motörhead, e, para seu lugar, o guitarrista Gary Moore foi o escolhido. Moore gravou apenas um álbum com o grupo, Black Rose: A Rock Legend (1979), seguindo uma carreira solo de grande sucesso posteriormente.

Phil Lynott

Após Moore, o guitarrista da vez foi Snowy White. White era um conhecido músico de estúdio, tendo inclusive trabalhado com o Pink Floyd no álbum Animals (1977) e na turnê de The Wall (1979). Apesar de seu enorme talento, não foi bem recebido pelos fãs do Thin Lizzy, já que seu estilo era bem diferente do de Robertson. O primeiro álbum de White com o grupo (que contava ainda com Lynott, Gorham e com o baterista Brian Downey, além do tecladista convidado Darren Wharton) foi Chinatown, lançado em 1980, que foi uma grande decepção em se tratando de vendas.

Lynott passava por um sério problema com drogas e álcool, e parecia que o Thin Lizzy estava próximo do fim. Com a efetivação de Darren no cargo de tecladista, essa versão do grupo teve seus últimos momentos de vida em Renegade. Lançado um ano depois de Chinatown, com a mesma formação, esse é considerado por muitos como o pior disco da carreira do Thin Lizzy. Os motivos alegados são vários, mas destaco três entre eles: a total incapacidade de Lynott tocar e cantar as canções, o emprego excessivo de sintetizadores e guitarras sintetizadas, além da falta de inspiração nos solos de Gorham e White.

Bobagem! Isso é coisa de quem nunca ouviu o disco. Renegade pode não ser o melhor disco do grupo (e está longe de ser), mas uma ouvida atenta irá prestigiar momentos que mostram como o Thin Lizzy continuava sendo uma ótima banda, mesmo com a alteração no seu line-up original.

Single de "Angel of Death"

O LP abre com uma paulada, "Angel of Death", com os sombrios teclados do início trazendo a marcação do chimbal e do galopante baixo de Lynott. Aqui podemos ouvir que, mesmo com os problemas, Lynott ainda era um grande baixista, puxando um ritmo insano de suas quatro cordas e atingindo o pique quando Gorham e White soltam os riffs pesados da canção. Lynott canta sobre a levada cavalgante de baixo e guitarras, com um riff grudento de uma canção que pode estar em qualquer um dos álbuns clássicos do grupo.

Os efeitos do sintetizador e das guitarras levam ao belo solo de Gorham. Para os que consideram o disco carente de solos, essa faixa é uma prova contrária. Depois disso, uma viajante sessão progressiva, com Darren viajando no moog, acompanhado apenas pelo chimbal, e Phil declamando um poema com a voz distorcida. Baixo, chimbal, sintetizadores e a marcação do bumbo retornam ao início da letra, com Phil cantando acompanhado pelos sombrios acordes inicias dos teclados, encerrando com a repetição do refrão e com diversos rolos de Downey.

Somente "Angel of Death" já vale a aquisição do álbum, mas o disco apresenta mais. A faixa-título vem na sequência, com baixo e guitarra dedilhada apresentando uma canção mais oitentista, mas que exalta o talento de Lynott no baixo, com um bonito tema. Sua letra conta a história de um jovem que perdeu seu caminho e ficou sem ninguém para ajudá-lo (seria Lynott?), e o ritmo da canção é suave, até o refrão, onde os teclados mostram uma sonoridade bem diferente, que assusta ao fã xiita do Thin Lizzy, mas que não é ruim. As guitarras gêmeas executam o tema central e fazem riffs quebrados, tendo Downey fazendo intrincadas viradas na bateria, voltando para a introdução e encerrando com a repetição do tema das guitarras gêmeas. 

Thin Lizzy ao vivo em 1981: Brian Downey, Phil Lynott e Scott Gorham

O pesado riff de "The Pressure Will Blow" dá espaço para o lindo tema das guitarras gêmeas e sintetizadores, trazendo a voz de Lynott em outra bela canção que estaria facilmente nos álbuns clássicos do grupo. O trecho cadenciado do refrão, entoando o nome da canção, é repetido duas vezes, e novamente as guitarras sintetizadas estão presentes, dessa vez fazendo o solo sobre o ritmo cavalgante do baixo de Lynott. O virtuoso solo de Gorham explode no tema das guitarras gêmeas e sintetizadores da introdução, encerrando com a repetição do refrão.

O lado A encerra-se com a canção que eu mais curto do Thin Lizzy, a agitada "Leave This Town". O riff de guitarra e baixo comanda um boogie na linha ZZ Top, e Lynott esbanja safadeza no seu estilo de cantar, com baixo e bateria contagiando as guitarras em um ritmo envolvente. O refrão aparece, grudento, e as guitarras gêmeas executam um belo solo, onde os bends de White retornam para o riff inicial. Lynott declama um poema, com a voz distorcida, retornando ao refrão, que repetido diversas vezes, gruda de vez na sua mente, fechando com chave de ouro este primeiro lado do vinil.

Snowy White e Scott Gorham

"Hollywood (Down on Your Luck)" abre o lado B resgatando a sonoridade oitentista. Aqui podemos conferir um pouco do que os críticos falam sobre a voz de Lynott não ser mais a mesma, já que pequenas falhas são perceptíveis. A canção abre com baixo e guitarra comandando o riff de um pesado rock, com Lynott cantando a partir da entrada da bateria. O refrão muda o andamento, virando uma espécie de AOR com a entrada dos sintetizadores, e com Lynott dando desafinadas, enquanto vocalizações cantam o nome da canção. Não acho que essas desafinadas sejam "a pior coisa que já ouvi", pois se estamos escutando sem um ouvido crítico, não dá para reparar, mas enfim, "Hollywood" continua, com um bom solo de Gorham e White, encerrando com mais um grudento refrão sendo cantado por diversas vezes.

Phil Lynott

As guitarras sintetizadas abrem "No One Told Him", trazendo o vocal de Lynott em mais uma canção bem oitentista, contando com outro bom refrão e destacando os sintetizadores de Darren, além do interessante solo de Gorham. Depois, a sensual balada "Fats" apresenta um Thin Lizzy voltado ao lado jazzístico, com Lynott lembrando Jaco Pastorius no baixo da introdução. Leves acordes de guitarra trazem a voz relaxada de Lynott, com teclados dando mais leveza durante o refrão. O tema inicial é repetido, dando sequência à letra, repetindo o refrão e trazendo um belo solo de piano, com diversos acordes jazzísticos e fechando com improvisações vocais de Lynott em cima do refrão.

A canção mais fraca do LP está em "Mexican Blood", onde, apesar do violão flamenco na introdução, lembrando "La Villa Strangiato" (Rush), o ritmo oitentista, misturando marimbas e percussões latinas, acaba não agradando. Porém, "It's Getting Dangerous" retorna aos bons momentos do disco, com bateria, baixo e guitarra puxando o ritmo para Lynott cantar acompanhado por bateria eletrônica e sintetizadores. O andamento AOR acaba tornando a canção ainda mais atraente, e as guitarras sintetizadas aparecem no emotivo refrão, com Lynott fazendo uma das melhores interpretações de sua carreira, encerrando o álbum.

Contracapa de Renegade

Renegade vendeu pouco para os padrões do Thin Lizzy, chegando na posição 38 no Reino Unido e na vergonhosa posição 157 nos Estados Unidos. Malhado principalmente por Gorham e Darren, sendo que o último inclusive teve seu nome  e foto banidos da contra-capa do álbum, acabou virando sinônimo de "pior disco do Thin Lizzy". Mesmo a turnê de promoção não consegui alavancar as vendas, e, para piorar, colocou a vida de Lynott cada vez mais em risco. O Thin Lizzy de Lynott sobreviveu ligado às máquinas nos anos seguintes, lançando Thunder and Lightning (1983) e Life (1983), até que em 04 de janeiro de 1986, Lynott se juntou a Jimi Hendrix e John Bonham para tocar e cantar suas canções no paraíso, levado pelo excesso de drogas e o abuso do álcool.

Thin Lizzy ao vivo em 1982

Renegade está longe de ser o pior disco do Thin Lizzy, e sim, apresenta canções muito boas, com padrões de composição no intervalo do esperado e que acabam grudando em você a partir do momento em que você se adapta a elas. Esse foi o primeiro disco do Thin Lizzy que eu ouvi, e talvez por isso eu tenha tanto apreço por ele. Outro destaque que eu aprecio no LP é que a capa original apresenta o nome das canções e dos membros do grupo em cor ouro, a qual só pode ser lida dependendo do ângulo de incidência da luz sobre as mesmas. Coisa de bolha, óbvio, mas isso, junto a músicas que me balançam mesmo hoje, mais de quinze anos depois que o ouvi pela primeira vez, faz com que eu talvez seja um dos poucos que realmente gostem desse disco.