R.E.M. - In Time: The Best of R.E.M. 1988 - 2003 (Limited Edition) [2003]

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Raramente compro um LP/CD que seja uma coletânea. A não ser que o produto conte com material diferenciado, que não seja aqueles old hits que já tenho nos álbuns oficiais, não creio que valha a pena investir dinheiro em um material desse tipo, porém, In Time: The Best of R. E. M. 1988 - 2003 chamou minha atenção por sua edição dupla limitada, na qual o primeiro CD apresenta os sucessos do grupo no período de 1988 a 2003, enquanto o segundo CD é repleto de raridades e canções inéditas.

Fundado em 1980 na cidade de Athens, Estados Unidos, através de Michael Stipe (voz), Peter Buck (guitarra, mandolim), Bill Berry (bateria) e Mike Mills (baixo, teclados, voz),o R.E.M. possui duas fases distintas: a época na qual pertenciam ao selo I.R.S. (entre 1983 e 1987) e outra já pela Warner Records. É exatamente essa segunda etapa que é abordada por essa coletânea, e, não por acaso, a época de maior sucesso do grupo, onde o R.E.M. deixou de ser uma grande banda de garagem para se tornar uma das maiores bandas do planeta.

Peter Buck, Michael Stipe, Bill Berry e Mike Mills

Como dito, o primeiro CD apresenta somente canções que se tornaram grandes hits na carreira do grupo entre 1988 e 2003, abrangendo os sete álbuns lançados nesse período. Assim, temos 16 faixas, as quais são: duas de Green (1989 - "Orange Crush", a canção mais U2 que o U2 nunca gravou, e "Stand"); uma de Out of Time (1991 - a clássica "Losing My Religion"); quatro de Automatic for the People (1992 - "Man on the Moon", "The Sidewinder Sleeps Tonite", "Everybody Hurts" e "Nightswimming", e que particularmente é o melhor disco da carreira do grupo, afinal, quem nunca chorou com "Everybody Hurts"?); uma de Monster (1994 - "What's the Frequency, Kenneth?"); duas de New Adventures in Hi-Fi (1996 - "E-Bow Letter" e "Electrolite"); duas de Up (1998 - "Daysleeper", "At My Most Beautiful") e duas de Reveal (2001 - "All the Way to Reno" e "Imitation of Life"). 

Completam a bolachinha "The Great Beyond", na versão lançada na trilha sonora do filme "Man on the Moon" (1999), "All the Right Friends", na edição lançada na trilha sonora do filme "Vanilla Sky" (2003), e duas canções inéditas: "Bad Day" e "Animal". Todas as canções marcaram a carreira do grupo, principalmente "Losing My Religion", que foi primeiro lugar em muitos países, e tornou o nome R.E.M. conhecido mundialmente.

Algumas músicas acabaram ficando de fora, e é principalmente sentida a ausência de mais canções de Out of Time. Poderiam ter entrado "Low" e "Shiny Happy People", por exemplo, mas claro, é compreensível que nem toda coletânea seja perfeita.

A capa slipcase de In Time

A ausência dessas faixas é compensada no CD 2. Para começar, o engraçadíssimo videoclipe da canção "Bad Day", com Michael fazendo o papel do apresentador de um jornal televisivo, enquanto Mike faz o papel do  assustado homem do tempo e Peter representa um meteorologista, além de um assessor de Stipe e um repórter (lembrando que Berry saiu do grupo em 1997, e por isso não participa do vídeo). Além disso, há a oportunidade de acesso direto para cadastro no site do grupo, onde o fã passa a ter mimos especiais do R.E.M., como notícias em primeira mão e desconto em ingressos.

Na parte musical, quinze raridades que agradam todos os gostos, abrindo com uma versão acústica para "Pop Song '89", muito mais bonita que a original, a arrebatadora versão para "Turn You Inside-Out", retirada do excelente DVD Tourfilm, de 1990, época na qual o grupo ainda estava engatinhando no sucesso, e que mostra como Michael possui uma performance arrebatadora ao vivo, a bela "Fretless", trilha do filme "Until the End of the World" (1991), e a experimental "Chance (dub)", lado B do single de "Everybody Hurts".

Pôster autografado

Mais experimentações são ouvidas em "It's A Free World Baby", retirada da trilha do filme "Coneheads" (1993), a perfeita versão para "Drive", gravada para o Greenpeace em 1994, que é de arrepiar, bem diferente da original, com mais peso e com Michael cantando raivosamente, longe da calmaria registrada em Automatic for the People, e nas canções de trilhas, começando com a engraçada edição de "Star Me Kitten", com os vocais de William Burroughs, retirada da trilha Songs in the Key of X Music from and Ispired by the X-Files (1996), a pesada "Revolution", presente no filme "Batman & Robin" (1997) e "Leave", do filme "A Life Less Ordinary" (1997), bem diferente da longa edição presente em New Adventures in Hi-Fi, repleta de eletrônicos e com uma interpretação vocal bem diferente, além da bela "Why Not Smile", lançada em uma edição especial da revista Oxford Magazine.

O single para "Imitation of Life" levou todas suas bônus, através de "The Lifting", "Beat a Drum", em uma belíssima versão acústica, e "2JN", uma homenagem para Jack Nietzsche que parece ter saído de Pet Sounds (1966, Beach Boys). Completam a segunda bolacha "The One I Love", gravada acusticamente durante a participação do grupo no  programa The Museum of Television and Radio, em 2001, com Mills no piano, Buck no violão e Michael destruindo nos vocais, arrepiando tanto quanto a versão original, lançada no álbum Document (1987), e "Country Feedback", gravada ao vivo em Wiesbaden, Alemanha, durante uma apresentação em 2003, na qual ela foi a mais votada pelo público para ser tocada naquela noite.

In Time e seus mimos

Como mimo, a edição limitada possui uma capa protetora de plaśtico, um poster com o trio Stipe, Mills e Buck, um slipcase que abriga os dois CDs e mais um livreto com 40 páginas, onde Buck apresenta sua visão para cada uma das canções que aparecem no CD, e onde aprendemos, por exemplo, que Buck sempre foi apaixonado por Patti Smith (que participa cantando em "E-Bow Letter") e que "At My Most Beautiful" foi composta para homenagear o The Beach Boys, além da frustração do mesmo em ter que deixar "Fretless" e "It's A Free World Baby" de fora do álbum Out of Time.

Existem mais duas versões para este álbum: a versão original (apenas com as canções do CD 1) e uma que traz como bônus um DVD com os videoclipes das canções pertencentes ao mesmo, que também é recomendado.

Mike Mills, Michael Stipe e Peter Buck

Se você é fã, trata-se de um item obrigatório, principalmente pelo lado das raridades. Se você apenas aprecia o grupo, é tambem obrigatório pela quantidade de canções que você certamente tem no seu iPod, e se não conhece a banda, compre já, pois é o que poderia ter de melhor no mercado em se tratando desse período do R.E.M. na gravadora Warner.

Maravilhas do Mundo Prog: Stomu Yamashta & Masahiko Satoh - Metempsychosis [1971]

Encerrando nossa viagem inicial para o Japão, nesta semana navegaremos pelas loucas águas tsunâmicas do mar chamado "Metempsychosis", formado no cérebro de dois japoneses insanos conhecidos pelos nomes Stomu Yamashta e Masahiko Satoh.

Stomu Yamashta

A carreira do baterista Stomu Yamashta começou  muito cedo. Nascido em 15 de março de 1947, aos 10 anos começou a desenvolver sua paixão pela percussão, levando-o posteriormente para a Universidade de Kyoto e lecionando na Juilliard School of Music e na Berklee College of Music (EUA). Logo, passou a compor e gravar álbuns, sendo seus três primeiros uma aula de mistura jazzística com música clássica: Percussion Recital; The World of Stomu Yamashta; e Uzu - The World of Stomu Yamashta 2; todos lançados em 1971.

Masahiko Sato

Já Masahiko Satoh nasceu em 1941, e, assim como Yamashta, começou desde cedo a desenvolver seu lado musical, mas ao piano. Graduado na Universidade de Keio, estudou posteriormente música, composição e arranjo na Berklee College of Music durante os anos de 1966 e 1968, voltando para o Japão e gravando seu primeiro álbum, Palladium, no ano de 1969, recebendo o prêmio de jazz do Japão da revista Swing Journal como melhor álbum de jazz daquele ano.

No ano seguinte, ganhou o prêmio de excelência do Festival de Arte Nacional do Japão com o álbum Four Jazz Compositions, após ter gravado sete álbuns em menos de dez meses, todos com fortes influências do free jazz. Satoh conheceu Yamashta durante sua estada em Berklee. A personalidade forte do jovem baterista contagiou Satoh, que decidiu compôr uma peça orquestral que misturasse o jazz e a orquestra da dupla com os novos sons que vinham do ocidente através do progressivo. 

Assim, com a companhia da New Herd Orchestra, regida pelo maestro Miyama Toshiyuki e tendo como membros Masaaki Ito (baixo), Isao Yomoda (bateria), Isao Kimura (saxofone alto), Kazumi Oguro (saxofone alto), Shigeru Hirano (saxofone barítono), Mamoru Mori (saxofone tenor), Seiji Inoue (saxofone tenor), Masamichi Uetaka (trombone), Takahide Uchida (trombone), Takashi Hayakawa(trombone), Teruhiko Kataoka (trombone), Shin Kazuhara (trompete), Kazumi Takeda (trompete), Shuji Atsuta (trompete) e Yoshikazu Kishi (trompete), Satoh colocou para fora toda sua insanidade que estava guardada em algum canto de seu cérebro, em uma explosão musical enlouquecedora de mais de 35 minutos, batizada sutilmente de "Metempsychosis", a qual é dividida em duas partes e foi registrada ao vivo nos estúdios da Columbia japonesa na data de 27 de janeiro de 1971, e que foi registrada no álbum Metempsychosis: Composition for Percussion and Jazz Orchestra.

O herói japonês da percussão, Stomu Yamashta

A canção começa com a orquestra fazendo a introdução, destacando os trompetes, em um tema muito sinistro, parecendo uma trilha de filme de horror. Lentamente, xilofone e baixo vão aparecendo, enquanto os metais continuam seu tema sombrio ao fundo, em um crescendo lento e arrepiante. O xilofone já assume sua posição, batendo notas repetidas, enquanto os metais fazem a viajante camada sonora permeada pelas notas soltas do baixo.

Essa densa e sombria introdução é uma pequena amostra do que virá pela frente. A entrada da percussão de Stomu imita janelas quebradas, e a aflição gerada por “Metempsychosis” é enorme, como que sufocando o ouvinte a cada segundo.

Os metais começam a se sobrepor, fazendo uma densa sonoridade que encobre xilofone e baixo, abrindo espaço para a entrada alucinante de Yamashta, solando ferozmente enquanto os metais soltam acordes soltos e doentios. A velocidade das batidas percussivas de Yamashta é mesclada com fúria e técnica inigualáveis, alterando os instrumentos em uma sequência fenomenal.

O volume dos acordes dos metais diminui, com Yamashta diminuindo a velocidade de seu solo, explodindo novamente em uma insana sessão, onde o saxofone surge acompanhado por piano, baixo e percussão em uma estonteante sessão de free jazz, com uma barulheira ensurdecedora dos metais, e com Hirano se esganiçando no saxofone. Satoh e Yamashta destroem piano e bateria ao mesmo tempo, enquanto Masaaki delira no baixo. As escalas rápidas são as únicas sanidades entre metais ácidos e percussão arrebatadora.

Então, Yamashta e Yomoda assumem o posto principal, com um solo percussivo fenomenal, onde ambos mandam ver em viradas, rolos, rufadas e acompanhamentos muito velozes. A sessão muda para uma indescritível sequência nos pratos, caixas e outros instrumentos de percussão, com Yamashta batendo em uma pequena caixeta em uma velocidade absurda enquanto Yomoda soca sua bateria para o interior da Terra. Ambos passam a travar uma batalha gigantesca com seus kits de percussão, onde um sobrepõe ao outro, chegando ao meio da insanidade e demência musical com batidas fortes e em ritmos desconcertantes.

Yamashta

Tudo acalma, com Yamashta mantendo o ritmo apenas com as baquetas tocando nas suas percussões, mas Yomota coloca novamente a casa para baixo em um ataque dinâmico e ensurdecedor aos pratos e ao bumbo. Fãs de Neil Peart, não se assutem, afinal, essa gigantesca monstruosidade percussiva está sendo feita por dois homens.

Depois de alguns segundos de puro silêncio, os metais surgem fazendo temas aleatórios, junto do piano, com marcações dos trompetes e saxofones que parecem ter saído de algum álbum psicodélico de Frank Zappa. A percussão vai invadindo as camadas de metais, que parece se abrir como uma flor para a bateria penetrar entre seus acordes e arrancar das entranhas o néctar necessário para a sequência da música.

Os agonizantes segundos dão lugar para batidas soltas da percussão, perdida em um espaço somente de Yamashta, alternando segundos de silêncio e segundos de batidas fortes e assustadoras, encerrando a primeira parte da canção.

Yamashta

Os metais entram novamente, como um tsunami no meio do oceano, e a percussão tenta se manter em pé com a força gerada pelas camadas e camadas de metais sobrepostos, de onde um saxofone aparece para fazer um breve tema, acompanhado pelos metais.

Com os metais fazendo um tema que mais lembra um enxame de abelhas, os saxofones saltam nas caixas de som, delirando com piano e percussão para atingir o êxtase das experimentações, repetindo a histeria anterior só que com os metais ainda mais ensurdecedores, onde Satoh faz um espetáculo a parte no piano. A onda tsunâmica vem com força, arrastando o que tiver pela frente, e praticamente é impossível decifrar o que está acontecendo no estúdio. Piano, percussão e metais formam uma densa sopa sonora, ensurdecedora, até parar repentinamente.

Achando que iremos respirar, Yamashta e Yomoda passam a bater novamente em seus kits percussivos, com o volume bem baixo, aumentando rápido sobre o ritmo constante das batidas. Dessa vez, a viagem individual de cada um dos japoneses está com pelo menos um dos pés no chão, e o ritmo criado é interessante.

Os metais então fazem um solo que cobre o ritmo percussivo, ganhando espaço entre as batidas mas sem muita loucura. O volume das batidas aumenta, assim como o dos metais, deixando Yamashta e Yomoda sozinhos, solando nos seus instrumentos e com palmas marcando o ritmo das batidas. Os metais aparecem novamente, fazendo seu solo, e o volume diminui, parecendo levar ao final da canção.

Satoh

Mas, ainda não é hora de isso acontecer. O grande final reserva o momento mais belo da canção. As percussões surgem em um volume muito baixo, com vozes sendo ouvidas. Batidas em latas, metais e outros materiais do gêneros são atiradas para o ouvinte, e um barulho muito estranho pode ser ouvido ao fundo, trazendo então os metais e o piano, largando acordes sinistros, que vão formando um elo sensacional, com a martelante batida percussiva acompanhado o belíssimo solo de saxofone, enquanto metais e piano fazem os acordes que marcam o tempo das batidas.

Oguro sola sozinho no saxofone, com intervenções percussivas durante o mesmo, para Yamashta e Yomoda apresentarem seu último solo de percussão, em mais uma sequências de barulhos incomuns que explodem na piração final de metais, piano e percussão cuspindo raiva e fúria no momento de maior loucura de “Metempsychosis”, onde a conclusão final é que somente sendo muito louco para fazer algo desse nível.

Por fim, Yamashta encerra nossa maravilha com um solo nos tons, e os metais fazendo a estonteante sessão de barulhos que comprovam: a dose de sanidade mental faltou para os japoneses.

O supergurpo Go: Michael Shrieve, Stomu Yamashta, Klaus Schulze e Steve Winwood

"Metempsychosis" não é para principantes. Sua forte influência do free jazz pode acabar afastando o ouvinte após uma primeira audição. Porém, para os iniciados, "Metempsychosis" é uma das melhores peças já compostas na história da música, justamente pela sua influência jazzística. As camadas de metais e percussão, em um andamento que rola sobre uma dinâmica única, são as responsáveis pelo lado progressivo da canção, que seria posteriormente empregado por Yamashta ao lado de Stevie Winwood (Traffic), o tecladista Klaus Schulze (Tangerine Dream, Ash Ra Tempel), o percussionista Michael Shrieve (Santana) e o violonista/guitarrista Al di Meola, no super grupo Go, combinando rock progressivo, fusion e eletrônico em três discos excelentes: Go (1976), Live from Paris (1976) e Go Too (1977).

Stomu Yamashta

Metempsychosis: Composition for Percussion and Jazz Orchestra é um dos principais registros da gravadora Columbia nipônica,  e também um dos mais cultuados LPs do cenário japonês, custando alguns quilos de picanha no mercado, não somente pela sua raridade, mas por causa da sua importância musical.

Antes de se juntar ao Go, Yamashta gravou Red Buddha, outro álbum experimental de extrema relevância no Japão, seguindo em paralelo à carreira solo uma carreira de compositor de peças musicais para teatro e filmes, destacando a trilha para "The Man Who Fell to Earth" (1976), estrelado por David Bowie.

Masahiko Satoh

Já Satoh voltou para sua carreira solo ligada ao jazz, lançado mais de 50 discos e tendo o auge do sucesso ao lado dos monstros Steve Gadd (bateria) e Eddie Gomez (baixo) no álbum Amorphism (1985), além de ter participado como convidado de álbuns de diversos artistas, como Art Farmer, Ambrosia, Ecco Trio e Charles Mingus.

Podcast Grandes Nomes do Rock #30: Singin' the Red

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Caros leitores e acompanhantes do Podcast Grandes Nomes do Rock: chegamos à trigésima edição, e, com ela, daremos uma pausa na sequência de programas. Novos desafios afastarão temporariamente o colaborador Mairon Machado das gravações de cada programa, mas ele continuará com a coluna Maravilhas do Mundo Prog em todas as quintas-feiras, voltando em breve à ativa com o podcast, enquanto se estabiliza na nova profissão.

Então, curta mais uma homenagem às cores, dessa vez, com Grandes Nomes do Rock cantando a cor da paixão, o vermelho, onde em duas horas de programa, apresentaremos rock progressivo, thrash metal, grunge e claro, rock 'n' roll.

Para ouvir, clique aqui

Homenagem à última canção desse podcast

Track list Podcast # 29 - Guns N' Roses

Bloco 01

Abertura: "Sweet Child O' Mine" [do álbum Apettite for Destruction - 1987]

"Nightrain" [do bootleg Argentina 92 - 1992]

"One in a Milion" [do bootleg CBGB - 1988]

"Coma" [do álbum Use Your Illusion I - 1991]

"Street of Dreams" [do bootleg Palestra Itália / Brazil - 2010]

Bloco 02

Abertura: "Patience" [do álbum G N' R Lies - 1988]

"Over, Under, Sideways, Down" [do álbum Birdland - 2003 (Yardbirds)]

"Punk Rock Song" [do álbum Believe in Me - 1993 (Duff McKagan)]

"Pressure Dop" [do álbum Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds - 1992 (Izzy Stradlin & the Ju Ju Hounds)]

"Rise" [do álbum Beyond Good and Evil - 2001(The Cult)]

Bloco 03

Abertura: "Estranged" [do álbum Use Your Illusion II - 1991]

"Get in the Ring" [do álbum Use Your Illusion II - 1991]

"Civil War" [do bootleg Live at Farm Aid - 1990]

"Locomotive" [do álbum Use Your Illusion II - 1991]

Bloco 04

Abertura: "Human Being" [do álbum Spaghetti Incident? - 1993]

"Raw Power" [do álbum Raw Power - 1973 (Stooges)]

"Attitude" [do álbum Static Age - 1997 (Misfits)]

"Mama Kin" [do álbum Aerosmith - 1973 (Aerosmith)]

"Live and Let Die" [do álbum Over America - 1976 (Wings)]

"Knockin' on Heaven's Door" [do álbum MTV Unplugged - 1995 (Bob Dylan)]

Encerramento: "Chinese Democracy" [do bootleg Rock in Rio III - 2001]

Discos que Parece que Só Eu Gosto: Secos & Molhados [1978]

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

É muito fácil criticar sem conhecimento de causa, e depois que conhece o assunto, pedir desculpas, assumir que está errado e fingir que nada mudou, completamente ignorante do mal que possa ter atingido ou causado com tamanha crítica. O mundo da música é cercado de injustiças, e a sessão "Discos que Parece que Só Eu Gosto" apresenta de certa forma, um ponto de vista pessoal de alguns dos nossos consultores para um determinado álbum que a maioria das pessoas não gostam, o que não significa que por tal consultor gostar do álbum ele é injustiçado.

Gerson Conrad, Ney Matogrosso e João Ricardo

Mas, com todo o perdão, o álbum a ser tratado hoje encaixa-se no termo injustiçado. Afinal, quando falamos em Secos & Molhados, lembramos apenas de Ney Matogrosso fantasiado com plumas, penas e paêtes, e mais dois membros mascarados (João Ricardo e Gerson Conrad, ambos nos vocais), cantando clássicos como "O Vira", "Sangue Latino", "Rosa de Hiroshima" e "Flores Astrais", registrados em um período de pouco mais de um ano em dois álbuns seminais do rock nacional, Secos & Molhados (1973) e Secos & Molhados (1974), que levaram o nome do grupo ao auge de vendas no Brasil, superando o Rei Roberto Carlos, e projetando uma carreira internacional de extremo sucesso, que acabou sucumbindo por diversos problemas de briga entre os membros, divisão de dinheiro e também, falta de apoio.

Primeiro álbum solo de João Ricardo

Mas, caro leitor, o Secos & Molhados continuou sem Ney Matogrosso, e na realidade foi muito além dos dois álbuns citados. Tendo na capitania o músico João Ricardo (violão, vocais, letras), em 1977 ele reformulou a banda depois de investir em uma carreira solo de relevância praticamente nula. Nesta carreira, lançou dois álbuns: João Ricardo (1975) e Da Boca Pra Fora (1976).

Como os discos não emplacaram, fracassado financeiramente, João resolveu investir novamente no nome Secos & Molhados e resolve reviver o grupo. Para isso, convocou o guitarrista e vocalista Wander Taffo (que fez sucesso em carreira solo e também como fundador do Rádio Taxi, além de ser integrante da clássica formação do Made in Brazil), o baixista João Ascensão e o vocalista Lili Rodrigues. Com a participação de Gel Fernandes (bateria), Lazy (teclados) e Rubão (percussão), em maio de 1978, quatro anos após o fim prematuro da primeira formação do Secos & Molhados, a chama voltava a ser acesa. Porém a proposta era diferente. 

Jornal de 1978 anunciando a volta do grupo

Apesar de seguir uma linha similar aos primeiros discos e de Lili ter uma voz tão aguda quanto a de Ney, João decidiu parar com a androginia, retirar as plumas e investir no talento individual de cada um dos novos músicos do grupo. De cara limpa, partiu para os estúdios e, aquele que eu considero um dos melhores álbuns do rock nacional, o excelente Secos & Molhados (também conhecido como A Volta dos Secos & Molhados).

O disco abre com um verdadeiro clássico, "Que Fim Levaram Todas as Flores?", a qual foi um sucesso nacional, dando direito à banda de participar de inúmeros programas de televisão. A semelhança com faixas como "Flores Astrais" e "Assim Assado" não pode ser evitada, e Lili mostra que estava na banda para substituir, e bem, Ney. É impossível não confundir a sonoridade dessa canção com as canções da fase Ney, mas o resto de Secos & Molhados segue uma linha sonora bem diferente, que já se torna evidente na faixa seguinte, "Lindeza", onde os violões introduzem a canção com o baixo característico das músicas mais rápidas dos primeiros álbuns, além de trazer um belo arranjo de cordas, uma novidade nas canções do grupo. 

Segue mais uma canção totalmente diferente. Após flertar com o blues em "Primavera nos Dentes", o flamenco em "Primer Mundo" e o fado de "O Vira", o Secos & Molhados invadia o funk, com uma bateria marcando o ritmo, tendo na sequência uma ótima linha de baixo, guitarras e teclados, dando espaço para os vocais cantarem "De Mim Pra Você", uma das faixas mais dançantes da banda e que merece espaço em qualquer festa anos setenta que você pense em fazer, ao lado dos clássicos de Village People, Bee Gees, Gloria Gaynor entre outros. 

Após a sacudida no esqueleto de "De Mim Pra Você", temos a bela balada "Minha Namorada", onde Lili está fenomenal, mostrando sua simpatia (a qual contava nos créditos do álbum). O violão de 12 cordas de João leva a canção, que ainda trás um belo solo de Taffo (apresentado no álbum como Wander Tosh). O lado A encerra com "Anônimo Brasileiro", que apesar da bela melodia e do arranjo de cordas e metais, traz os vocais graves de João Ricardo, não combinando com o clima proposto na canção.

Wander Taffo, Lili Rodrigues, João Ascensão, João Ricardo e Rubão

O lado B começa com "Última Lágrima", que lembra muito "Sangue Latino", principalmente pela levada do violão e do baixo. Segue "Insatisfação", uma pedrada na orelha de quem achava que o lado B seria lento, contando com vocalizações e destacando novamente a voz de Lili. Temos aqui uma boa letra de João, bem auxiliada por uma sessão instrumental de teclados e guitarras. Os arranjos de cordas se fazem presente em "Oh! Canção Vulgar", uma linda balada que antecedeu a musicalidade amena empregada por diversos artistas brazucas nos anos 80. 

Segue uma sessão acústica (antes mesmo dos acústicos terem sido inventados), com a belíssima "Como Eu, Como Tu". Com João Ricardo liderando as vozes e acompanhado apenas de seu violão, temos aqui uma das mais belas e comoventes letras da banda, a qual trata sobre a dor de uma pessoa que recorda os poucos momentos de um amor que não deu certo. De chorar! Um dos melhores arranjos instrumentais para apenas um violão que já ouvi. A animada "Quadro Negro" resgata o clima leve do álbum, contando com boas participações dos integrantes nas vocalizações, que também possui João no vocal principal. 

Por fim, "Cobra Coral Indiana" é introduzida pelo piano elétrico e baixo, que lembram bastante "Flores Astrais". A pequena letra, narrando a história de milhares de brasileiros que entram e saem de filas enormes para pagar suas contas, dá espaço para um longo tema instrumental com cordas e guitarras, encerrando o álbum em altíssimo nível.

Porém, nem toda flor cheira bem, e João acabou tendo diversos problemas com os integrantes dessa formação, lançando seu terceiro trabalho solo, Musicar, em 1979. Em meados de 1980 tenta mais uma vez resgatar o Secos & Molhados, contando agora com os irmãos Roberto Lampé (violão), César Lampé (voz) e Carlos Amantor (percussão), lançando mais um álbum homônimo, também muito bom, mas não no nível de seus antecessores.

Depois, em 1987, foi a vez de ao lado de Tôto Braxil, João Ricardo registrou mais um LP sob o nome Secos & Molhados, o fraquíssimo A Volta do Gato Preto. Seguiram-se ainda Teatro? (1999) e Memória Velha (2000), praticamente álbuns solos de João Ricardo, que ficam muito longe do esperado para o nome Secos & Molhados. O grupo para muitos acabou em 1974, mas em 1978, foi dado o último suspiro, aliás, um suspiro cujo perfume parece que só eu gosto, mas creio que pelo fato de que a maioria dos fãs do grupo apenas desconsideram a existência do mesmo sem o Ney. Mera injustiça!

Maravilhas do Mundo Prog: The Flowers - I'm Dead [1969]

Primeiramente, não confunda o nome da banda da capa que está vendo acima. Apesar da mesma ser da Flower Travellin' Band, o grupo que registrou nossa maravilha dessa semana não foi o homenageado da semana passada, mas sim o seu embrião, o The Flowers.

Como vimos,  a Flower Travellin' Band destruiu o cenário musical japonês através de um álbum seminal, Satori, lançado em 1971 e que até hoje ainda causa seus estragos. O grupo capitaneado pelo produtor Yuya Uchida, ficou poucos anos caminhando sobre a Terra, suficientes para deixar seu legado como uma das mais importantes bandas da história do hard prog nipônico.

Mas, antes de se envaretar como produtor musical e conceber a suíte "Satori", Yuya já havia feito parte de uma pequena obra-prima da geração psicodélica de Tóquio gravada pelo The Flowers. O nome da maravilha: "I'm Dead". 

Antes de entrarmos nos méritos de "I'm Dead", voltamos no tempo para percorrer um pouco da história de Uchida. Nascido em 17 de novembro de 1939 na cidade de Kobo, durante a adolescência, nosso nobre escorpiano teve contato com o rock 'n' roll de Elvis Presley. A performance do americano encantou os olhos do jovem japonês, que resolveu montar seu primeiro grupo em 1957, o qual foi batizado de Blue Caps. A primeira apresentação de Uchida foi em  1959, no Nichigeki Western Carnival. Depois, mudando de grupo como que de cueca, Uchida se fixou como músico do Takeshi Terauchi and the Bluejeans, onde fez diversas (e raras) gravações.  

Nesse período, Uchida também começou a desenvolver sua carreira como artista de cinema, a qual ele iria fazer sucesso posteriormente nos anos 70 e 80, participando de um filme chamado "Subarasii Akujo" em 1963. Entre 1965 e 1968, gravou mais cinco filmes, todos sem grande sucesso.

Alguns álbuns de Uchida pré-The Flowers

Com a chegada da invasão britânica, a cabeça de Uchida mudou completamente, passando a virar um seguidor nato do The Beatles, sendo que uma homenagem aos Fab Four foi construída e registrada em forma da canção "Welcome Beatles", quando os mesmos fizeram sua visita ao Japão em 1966.

Porém, Uchida não conseguia ninguém para montar um grupo na linha do som dos garotos de Liverpool, e como solução, mandou-se para a europa. Lá, deparou-se com os novos sons de The Who, Jimi Hendrix, Cream, Janis Joplin e toda a geração flower-power que brotava tanto no Reino Unido quanto na América, além de tomar os primeiros ácidos e ver o nascimento da psicodelia londrina no famoso UFO Club.

Alucinado com as experiências europeias, Uchida voltou para o Japão e decidiu se concentrar na construção de um grupo psicodélico nos moldes do que havia ouvido e visto no velho continente. Apesar da conservadora visão sobre música dos japoneses, o músico decidiu inovar, enfrentando a tudo e a todos para mostrar sua música.

Toshi Ichiyanagi, o inventor de "I'm Dead"

Apresentando o projeto inovador para diversos ícones japoneses, Uchida acabou recebendo o apoio de Toshi Ichiyanagi, curiosamente ex-marido de Yoko Ono (futura viúva de John Lennon). Ichiyanagi estava viajando com psicodélicos e alucinógenos, liderando uma ópera que misturava orquestra sinfônica e rock'n'roll. Ao conhecer as ideias do garoto, propôs a ele a gravação de uma canção que fosse inspirada no quadro I'm Dead, de Tadanori Yokoo. Detalhe, essa canção deveria ter 30 minutos!

Uchida adorou a ideia, e como havia acabado de montar uma banda ao lado de Hiroshi Chiba (vocais), Hideki Ishima (guitarras), Katsuhiko Kobayashi (guitarras), Ken Hashimoto (baixo) e George Wada (bateria), partiu para o processo de composição da pequena obra-prima pedida por Ichiyanagi. Com a entrada da jovem cantora Remi Aso, o The Flowers nascia praticamente a fórceps, entrando nos estúdios da NHK Radio em meados de 1969 para registrar em um único take, uma das canções mais piradas da história da humanidade, a qual é considerada o grande épico psicodélico do Japão.

Compacto do The Flowers

"I'm Dead" começa com uma soturna introdução, onde entre batidas nos pratos, as guitarras fazem um tema macabro utilizando-se do recurso da variação do volume. Ishima passa a variar a afinação das cordas da guitarra, enquanto Wada delira nos pratos, e então, o wah-wah surge na guitarra, querendo abrir espaço para a nave viajante do The Flowers sair do chão.

O tema inicial é repetido pelo wah-wah, e depois de acordes soltos da guitarra, com Hashimoto tocando algumas notas graves no baixo, guitarra e prato executam uma curta sessão percussiva, para então uma lisérgica guitarra surgir solando ao fundo, enquanto Wada faz rolos entre tons, bumbo e caixa. Notas aleatórias do piano assombram o quarto, seguidas da marcação de um metrônomo ditando o ritmo das batidas de Wada no bumbo.

Um pequeno solo de wah-wah e o baixo surge para Ishima solar alucinadamente, com uma guitarra extremamente lisérgica sobre o ritmo simples mas envolvente de baixo, bateria e guitarra. As notas ácidas de Ishima injetam adrenalina na canção, que ganha delirantes minutos de soberba maestria psicodélica, passeando por temas com wah-wah, volume e notas totalmente dispersas, além de agressivas batidas nas cordas do instrumento.

Ishima e Kobayashi alternam-se nos solos, e com o baixo marcando o ritmo, a bateria passa a fazer diversas viradas, voltando para a soturna introdução, com Ishima e Kobayashi agora solando em cima de escalas bluesísticas. A parte percussiva é uma espécie de embrião do que Jamie Muir faria no King Crimson, e a guitarra de Ishima literalmente frita as cordas com notas totalmente discernes e enlouquecedoras. Essa sessão da canção é muito viajante e tenebrosa.

Depois dos minutos apavorantes de guitarra, baixo e percussão, onde a guitarra uiva de dor, wah-wah e volume elaboram um tema para explodir no arrepiante sustain das guitarras, com uma barulheira infernal de bateria, baixo, guitarra, e um Chiba gritando louca e apavoradamente ao fundo. De arrepiar os cabelos de um calvo!

A lisergia volta no solo de Kobayashi, cercado de barulhos e percussão, variando notas muito agudas e outras extremamente graves, enquanto Ishima faz uma estranha marcação na sua guitarra. Novamente o piano aparece, e como uma locomotiva invadindo sua casa, o The Flowers leva "I'm Dead" para a insanidade total, com Kobayashi solando sob o ritmo avassalador de Wada, as escalas complicadíssimas de Hashimoto e da torturante marcação de Ishima, além dos gritos alucinados de Chiba, em um frenêsi diabólico e puramente insano.

Entregue à diabólica tortura mental que o The Flowers construiu, seu corpo aterrisa em terra firme, relaxando com o retorno ao início da canção, onde a guitarra expele seus últimos gritos, com a percussão fazendo o enterro dos ossos resultantes da macabra insanidade cometida minutos antes, e como um coveiro sozinho dentro de um cemitério isolado da humanidade,  entre tosses e gritos, colocar a pá de cal no túmulo dos instrumentos com orgísticos gritos e barulhos das guitarras de Ishima e Kobayashi, bem como do piano e da percussão, em uma piração jamais vista na música japonesa, e por que não, na história do rock progressivo, onde os instrumentos parecem representar a dor de alguém que está sendo enterrado vivo, encerrando a canção com belos harmônicos cobrindo as ácidas notas da guitarra, soluçando seus últimos suspiros.

Capa de From Pussys to Death in 10.000 Years Freakout

Essa maravilhosa sessão instrumental de 27 minutos acabou sendo escondida dos mortais por mais de 30 anos. Ao que parece, Ichiyanagi achou que a canção era tão delirante e hipnótica que ninguém ia querer comprar aquilo, ficando a fita master da gravação da mesma perdida no acervo de Uchida, até que em 2002, saiu na coletânea da Flower Travellin' Band intitulada Music Composed Mainly By Humans (capa que ilustra a matéria). 

Antes disso, ela já havia saído de forma clandestina no bootleg From Pussys to Dead in 10.000 Years Freakout, o qual também contém outras raridades ligadas ao The Flowers, com destaque para uma espetacular apresentação ao vivo do grupo no Rock'n'Roll Jam 70 fazendo uma estonteante e definitiva versão para a recém lançada "How Many More Times" (Led Zeppelin), com uma interpretação vocal fenomenal de Remi Aso.

A fabulosa estreia vinílica do The Flowers: Challenge

Após a gravação de "I'm Dead", Uchida registrou com o The Flowers o fabuloso Challenge (1969), com a capa contando com todos os Flowers nus. Recheado de covers de canções ainda não conhecidas na terra do sol nascente, mas que hoje são sucessos mundiais, esse LP apresenta clássicos como "Piece of My Heart" (Big Brother & the Holding Company)", "Hey Joe" (Jimi Hendrix)  e "White Room" (Cream), destacando também a bela "Hidariashi No Otoko", única canção composta por Uchida e que é uma pequena amostra da potência psicodélica de "I'm Dead", até montar a Flower Travellin' Band e estourar no Japão.

Amy Winehouse: 1983 - 2011

Sei que a notícia já ficou velha, mas é que eu ainda não havia parado para assimilar tal fato, e hoje pela manhã que consegui encaixar as coisas.

Tirando o lado pessoal de Amy Winehouse, cercado de polêmicas, encrencas e muita baixaria, musicalmente e pessoalmente a cantora inglesa mostrou para os jovens dos anos 2000 aquilo que muitos deles enxergavam apenas em ídolos do passado: talento, inovação e muita transpiração.

Conheci o som de Amy Winehouse através de uma ex-namorada, que insistia em me dizer que eu estava perdendo tempo em não ouvir o som dela. De tanta encheção de saco, um dia ouvi "Back to Black" (que por acaso o vídeo apresenta um enterro) e pirei. Essa canção é uma aula sentimental para os anos 2000, e o arranjo jazzístico/orquestral da mesma é fantástico. Na sequência, ouvi  as cinco canções que havia sido me indicado: "Tears Dry on Their Own", "Love is a Losing Game", "Me & Mr. Jones", "In My Bed" e "Some Unholy War". No meio delas,  exatamente em "Me & Mr. Jones", o vírus contagiou. 

Amy e Blake Fielder-Civil

Baixei os dois discos da cantora, Frank (2003) e Back to Black (2006), ouvindo praticamente sem parar, encantado com a sonoridade antiga empregada nos anos 2000. Frank é um disco que deve ser curtido em doses homeopáticas. Com uma potência destrutiva de uma banda altamente entrosada, é nele que o mundo conhece a voz rouca e rasgada de Amy, com toques de rock 'n' roll envolvidos pelo blues e pela soul music. Já Back to Black é um disco que deve ser proibido para uma pessoa que quer cometer suicídio. Um dos melhores álbuns da década passada, nele Amy coloca para fora todo o seu amor pelo então marido Blake Fielder-Civil, cuja relação foi uma bomba atômica implodindo rapidamente dentro de seu corpo através de muito álcool e o quíntuplo de entorpecentes. Através de canções planejadas para tocar a alma do ouvinte, Amy misturou ritmos como jazz, gospel, soul, funk e por que não, rock 'n' roll, como quem mistura uma sopa com veneno, e não satisfeita, afiando as facas para cortar os pulsos.

Back to Black, o melhor disco de Amy

A mistura acima me lembra muito o que Janis Joplin fez quando saiu da Big Brother and the Holding Company, fundando a Kosmic Blues Band em 1969 e colocando para fora todo o sentimento que não era possível de ser colocado dentro do Big Brother and the Holding Company.

Single de "Rehab"

Aliás, creio que não seria injusto dizer que Amy Winehouse foi a Janis Joplin dos anos 2000. Sua carreira meteórica, com apenas dois discos oficiais, a diferença principal foi que Amy vendeu muito ao redor do mundo, além de ter gerado muita polêmica. Viciada em drogas, o maior sucesso foi "Rehab", não por acaso de Back to Black. Essa canção é uma autobiografia que simpatizou com diversos fãs, e gerou problemas diversos tanto com sua família quanto com a imprensa sensacionalista, sempre preocupada em encontrar um fato novo para colocar a imagem de Amy mais para baixo do que o cocô da mosca no cocô do cavalo do bandido.

Amy

Muitos alegam que Amy não tinha voz, não tinha personalidade no palco, e era uma péssima intérprete. Não creio que seja bem assim. Envolta sempre por uma banda extremamente competente, Amy fazia do simples sua marca registrada. Não tinha a explosão vocal de uma Tina Turner, a devassaladora presença de palco de Janis Joplin, a beleza de Debbie Harry, a sensualidade de Madonna ou a sutileza musical de Elis Regina, mas como que contando para amigos, em uma mesa de bar recheada de garrafas de uísque, Amy exalava sentimento em letras construídas em sua maioria por ela mesma, narrando as histórias pessoais de sua vida com uma paixão que é rara de se encontrar na música de hoje em dia, ao ritmo principalmente de um jazz rock dançante e envolvente.

Corpo de Amy sendo carregado

A morte da cantora, aos 27 anos, já era esperada pelos fãs. Afinal, Amy entrou para o hall dos grandes nomes da música da mesma forma que Janis Joplin, Jimi Hendrix e Jim Morrison, todos falecidos aos 27 anos. Claro, não tenho como comparar Amy com os artistas citados, que para mim (e creio que para todos vocês, leitores do blog) são muito melhores e mais emocionantes de se ouvir do que a cantora inglesa, mas no fundo, muitas das canções de Amy dizem mais par mim do que alguma letra de Jim Morrison, por exempo.

Perdoem o desabafo, mas Amy Winehouse é uma merecedora inclusive de uma sessão A Little Respect, já que, repito, em termos de música, poucos conseguiram fazer algo com uma qualidade tão elevada nos últimos anos. Acabei não conseguindo assistir a cantora ano passado, quando ela esteve no Brasil e se apresentou perto de Porto Alegre, ali em Floripa, pois estava em viagem naquela data, mas quem foi, por melhor ou pior que tenha sido a apresentação, viu com certeza o principal nome da música desde Kurt Cobain. 

De uma forma especial,  Amy Winehouse tocou milhões de almas ao redor do mundo, passando a ser lembrada por aqueles que apreciam sua música para sempre principalmente por suas composições emocionantes, dosadas de um talento único e que aparece raramente.

Rust in Peace!!!

Que os astros lhe recebam com muito uísque, ceva gelada e claro, um palco montado para você deixar sua voz rouca soar entre os comentários de "como ela está melhor agora!".