Maravilhas do Mundo Prog: Gerard - 今宵使者は来たりぬ (The Acts of the Apostles) [1985]

Um dos grupos japoneses que melhor expressa o que se convencionou chamar de synth prog é o Gerard. Este grupo foi formado em 1983, por Toshio Egawa (teclados), Yukihiro Fujimura (vocal, guitarras), Masaki Tanimoto (bateria) e Yasumasa Uotani (baixo), sendo o nome de batismo uma homenagem a uma loja de Tóquio especializada em roupas. Egawa é um dos tecladistas mais influentes do rock nipônico, sendo que muitos o consideram a resposta japonesa para Rick Wakeman (Yes). Tendo passado durante a década de 70 por grupos como Rumble, Fromage, Scheherazade e o excelente Novela, acabou construindo uma sólida reputação no país

Foi em uma modificação da formação do Novela que o Gerard nasceu, e não demorou muito para entrar em turnê e lançar  ジェラルド (Gerard), o primeiro LP, na primavera de 1984. As composições alternativas dos sintetizadores, alternando sessões delirantes de mellotron e moog, quase psicodélicas, com piano e guitarra tentando manter o formalismo clássico do rock progressivo, em ritmos bastante incomuns para o estilo, marcaram a estreia do grupo, que apesar das AORanas "狂おしき愛の日々" ("Lasting Memory") e "リヴェンジ" ("Revenge"), deu sequência ao som característico dos teclados de Egawa, o qual já haviam conquistado o Japão no Novela, com destaque para a bela suíte "神よオルフェのように (ORPHEUS)".

Gerard em 1985: Yasumasa Uotani, Toshio Egawa, Masaki tanimoto e Yukihiro Fujimura 

Em 1985, o grupo lançou seu segundo disco. Mais maduros e tentando se afastar do AOR, em 虚実の城 (Empty Lie, Empty Dream) o Gerard deu um gigantesco passo para conquistar o mercado internacional. Tendo uma forte influência do Genesis fase pós-Peter Gabriel (quando o grupo virou um quarteto contando com Phil Collins nos vocais e bateria, Steve Hackett nas guitarras, Mike Rutherford no baixo e guitarras e Tony Banks nos teclados), o quarteto nipônico cômpos o que podemos dizer de álbum clássico do rock progressivo japonês, sendo sua instrumental faixa de abertura uma Godzilla Maravilha Prog.

Egawa e Uotani

"今宵使者は来たりぬ (The Acts of the Apostles)" começa com os sintetizadores, fazendo notas perdidas, enquanto o moog surge com o tema introdutório, e então bateria, baixo e vocalizações fazem um tema marcado, para o sintetizador repetir o tema do moog. As vocalizações surgem novamente, e então o piano elétrico fica solando sozinho, fazendo um bonito tema, trazendo bateria e baixo para comandar o solo de guitarra, muito parecido com o timbre da guitarra de Hackett, e com escalas igualmente idênticas. O bonito andamento de piano, baixo e bateria acompanha as complicadas escalas de Fujimura, e a canção muda o tom, com a guitarra alterando a distorção, mais pesada e fazendo um tema marcado, para sintetizadores fazerem acordes longos enquanto o ritmo de baixo e bateria torna-se cadenciado, e o piano elétrico solta notas em cima dos acordes centrais.

A guitarra Hackettiana volta a entrar em ação sobre o mesmo andamento anterior, com Egawa fazendo uma ótima participação, e com Fujimura alterando escalas graves e agudas, além de arpejos e tappings muito bonitos, voltando para o tema cadenciado, onde a distorção da guitarra foi substituída pelo moog, que faz o tema marcado, destacando os longos acordes de teclados, para então voltar a uma imitação de seu primeiro solo, acompanhado pelos teclados, com direito ainda a um momento para Uotani exibir seus dotes no baixo, que encerra essa maravilha nipônica.

Gerard ao vivo

A seqüência de 虚実の城 (Empty Lie, Empty Dream) é um pouco diferente da faixa de abertura, mas muito interessante. Canções como "心の壁 (Wall)", "叶わぬ夢、そして運命 (Future)" e a própria faixa-título não tem como passar despercebidas, exigindo, com o passar do tempo, audições cada vez mais atentas para essas intrincadas peças compostas pelo quarteto, mas nenhuma delas sendo tão bela e maravilhosa quanto "今宵使者は来たりぬ (The Acts of the Apostles)", que merece seu resgate e homenagem no Maravilhas do Mundo Prog dessa semana. 

Toshio Egawa

Após o lançamento de 虚実の城 (Empty Lie, Empty Dream), a gravadora do grupo, King Record, decidiu não mais patrocinar álbuns de rock progressivo. Egawa montou o grupo Earthshaker, enquanto os demais passaram a participar de projetos paralelos.

Gerard anos 2000. Egawa, Atsushi Hasegawa e Kenichi Fujimoto

Em 1990, Egawa reformou o Gerard, ao lado de Fujimura, Toshimi Nagai (baixo) e Kota Igarashi (bateria), lançando Irony of Fate no mesmo ano. Depois disso, Fujimura saiu do grupo, indo parar no Vienna, e somente em 1994, o Gerard voltaria a entrar em ação novamente,  contando com Masuhiro Goto (bateria), Atsushi Hasegawa (baixo) e Robin Suchy (voz). Essa formação lançou os álbuns The Pendulum (1996, coletânea com canções inéditas) e Pandora's Box (1997), que mantém a linha synth pop dos dois primeiros álbuns, principalmente a suíte "The Pendulum". Em 1997, Robin Suchy saiu do grupo, que permanece como um power-trio progressivo muito similar ao UK, tendo lançado mais sete álbuns, sendo o último deles Ring of Eternity, de 2010.

Vãn Züllatt - Betelgeuse [2011]

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Depois de três anos de expectativa, finalmente o grupo pelotense Vãn Züllatt lançou seu segundo álbum. Betelgeuse consegue a façanha de superar o trabalho inicial do grupo. Mais maduros e com uma técnica cada vez mais aprimorada, Cleber Vaz (teclados, guitarras, flautas, violão e sampler), Marcelo Silva (bateria e sampler), Gabriel Mattos (baixo, sintetizador BY5) e Jonatã Müller (guitarras, violão, flautas, teclados) mostram em um álbum espetacular o por que de o grupo estar se tornando cada vez mais conceituado não só no Rio Grande do Sul como no país.

Gravado entre agosto de 2010 e março de 2011 no estúdio Z em Pelotas, e com as participações especiais de Douglas Osinaga (guitarra) e Eugênio Bassi (voz, violão, bandolim, berimbau, contrabaixo e  percussão), Betelgeuse é apresentado pelo grupo como "um álbum instrumental conceitual baseado em ficção científica e ligeiramente influenciado pelos efeitos toxicológicos do vinho tinto. Qualquer semelhança  com qualquer outra coisa é puramente acidental", possuindo apenas quatro faixas, e com pelo menos uma delas, a suíte faixa-título, enchendo os olhos e os ouvidos em uma futura maravilha prog. 

Cleber, Jonatã, Gabriel e Marcelo

O CD narra uma história de ficção científica, onde através de intrincadas peças instrumentais, fazemos uma jornada pelo universo a bordo da nave Vãn Züllatt, abrindo com os "Contatos" estabelecidos com a vida inteligente fora da Terra. A canção com o andamento intrincado de bateria, baixo e órgão, acompanha o  tema inicial das guitarras que leva para os solos Osinaga, com muitas notas velozes e setentista ao extremo. A sequência de escalas é fantástica, assim como o emprego do wah-wah, e um pequeno tema leva ao solo do órgão, que irá lembrar-lhe dos grandes momentos de Jon Lord no Deep Purple, voltando para o tema inicial das guitarras, com  Marcelo e Gabriel fazendo a precisa marcação para os viajantes acordes de moog. Keith Emerson está no seu quarto nesse momento. Depois da viajante sessão de teclados, um curto tema da guitarra com wah-wah encerra a canção.


Chegamos no penoso processo de criogenia humana, com barulhos diversos abrindo a pequena suíte "Seis Níveis de Criogenia". Percussão e berimbau fazem o belo tema introdutório do primeiro nível de criogenia, seguido de um duelo entre berimbau e percussão. Vozes trazem um tema no bandolim (o segundo nível), acompanhado de barulhos percussivos, que passam a fazer a mesma melodia do bandolim, chegando ao surpreendente e belo solo de piano do terceiro nível. As escalas clássicas são encantadoras, e a guitarra chorando ao fundo dá um toque mais dramático ao belo tema dessa sessão.


A flauta surge acompanhando o tema do piano, levando então para o quarto nível de criogenia, que é um belíssimo solo de violão clássico. Vozes aparecem no meio do solo, que transforma-se em uma linda sequência de acordes, com um ritmo que lembra muito as canções do compositor baiano Elomar. Emocionante é o que pode se dizer para os acordes do violão nessa parte da canção, chegando então no quinto nível, onde um violão jazzístico e batidas nos pratos fazem o suave tema de uma ballad-jazz, com solos de violão e flauta. 

Assim, as mesmas vozes anteriores chegam para o sexto nível, voltando para as percussões e o solo de berimbau de Eugênio. O clima é pesado no solo, e as percussões dão ritmo para que o berimbau seja estraçalhado em notas pesadas, com o chocalho sendo o complemento da criogenização de seu cérebro, encerrando com um cântico africano acompanhando o ritmo do berimbau.


Para fazer a jornada pelo universo, o Vãn Züllat recebe uma "Dica",  uma canção apenas com a participação de Cleber, onde ele retorna ao piano para fazer um solo memorável. Suavemente, somos levados para três minutos e 30 segundos de encantadoras notas, executando um tema digno dos grandes momentos de Chopin (não estou exagerando, o solo é muito belo).

A viajante capa de Betelgeuse

Após a "Dica", começamos nossa viajem de ida e volta à constelação de Órion através da longa suíte "Betelgeuse". Dividida em onze partes, ela abre com barulhos viajantes simulando um foguete espacial na introdução da canção, chamada "Desconectando", saindo da Terra em direção a Órion, com o piano aparecendo em um solo rápido. Baixo e bateria aparecem em "Marte", para a guitarra fazer um curto tema, que é repetido algumas vezes, trazendo o solo de moog, já em um ritmo cadenciado da guitarra e da cozinha Marcelo/Gabriel. O solo do moog é repetido, e assim, a pesada guitarra faz o tema que o moog havia nos apresentado, para intervenções de guitarra, flauta e moog surgirem durante o andamento, bem como viradas da bateria e vozes.

O moog sola novamente, para a guitarra entrar em "Rumo A Saturno" com um solo leve, acompanhado pelo andamento suingado da bateria, do baixo e do piano elétrico, tendo o moog ao fundo, e variando para as breves intervenções onde temos curtos solos de órgão. Os sintetizadores então transformam a canção em "Os Piratas de Órion", para uma pesada sessão, onde o riff do sintetizador transforma-se em um pesado riff de guitarra, com direiro a um solo de moog, e com Marcelo soltando o braço na bateria. A canção ganha ritmo, atingindo uma velocidade interessante, alternando entre o andamento marcado e pesado com esse trecho mais rápido.  


O Vãn Züllat vai diminuindo o ritmo, chegando em "Buraco de Minhoca (a Ida)" onde o tema inicial de "Desconectando" é repetido pelo moog, porém com um solo de piano sendo acompanhado pela cadenciada levada de bateria. Os barulhos espaciais surgem, onde a sobreposição de teclados nos dá a impressão de estarmos enlouquecendo, estourando em uma imponente apresentação de sintetizadores e mellotron chamada "Betelgeuse (A Visão)", onde a guitarra faz um lindo tema com o slide, e o emprego do mellotron é merecedor de aplausos por parte de Mike Pinder (Moody Blues) e Robert Fripp (King Crimson).

Vãn Züllat ao vivo

Lentamente, piano, baixo e bateria passam a acompanhar o solo de moog em "À Deriva", com a entrada do órgão permitindo que a guitarra sole. Marcelo faz viradas na bateria, em um ritmo floydiano que poderia ter sido mais bem explorado com batidas mais quebradas, na linha de Bill Bruford (Yes, King Crimson, ...), mas o andamento encaixa-se para o retorno a Terra em "O Planeta Azul (O Devaneio)", com um belo tema do moog destacando os teclados wakeanos e as interessantes intervenções do sintetizador, os quais parecem gerar problemas na nave espacial.


Vozes assombrantes nos fazem passar pelo "Buraco de Minhoca (A Volta)", com  o moog relembrando o tema inicial de "Desconectando", para vozes diversas aparecerem. Um tema marcado entre guitarra, baixo e sintetizador é executado entre diversas viradas da bateria, durante "No Cinturão de Asteróides", com um show a parte de Marcelo, levando ao agitado solo da guitarra, acompanhado por piano elétrico, baixo e bateria. Um curto solo de flauta é executado, com intervenções de moog e sintetizadores, para os barulhos iniciais do foguete espacial surgirem novamente em "Atração Gravitacional", encerrando a viagem retornando com total segurança para a Terra.

Podcast Grandes Nomes do Rock #27: It's Only Rock 'n' Roll and We Love It

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Em homenagem ao Dia Mundial do Rock (13 de julho), o Podcast Grandes Nomes do Rock dessa semana irá apresentar grandes clássicos do rock mundial, desde a década de 50 até os dias de hoje. Ouviremos canções conhecidas e cantadas pelos quatro cantos do planeta durante as duas horas de programa, as quais simbolizam um pouco de por que o Rock 'n' Roll ser um estilo adorado por milhões de pessoas.

Divirta-se

O jogo Rock 'n' Roll Racing mereceu uma homenagem especial no segundo bloco

Track list Podcast # 26: Singin' the White

Bloco 01

Abertura: "White Wings" [do álbum Documento - 1998 (Raul seixas)]

"Amor Branco e Preto" [do álbum Hoje É O Primeiro Dia do Resto das Suas Vidas - 1972 (Rita Lee)]

"Retrato em Branco e Preto" [do álbum Elis & Tom - 1974 (Elis Regina)] 

"White Room" [do álbum Royal Albert Hall London May 2-3-5-6, 2005 - 2005 (Cream)]

"Roses on White Lace" [do álbum Raise Your Fist and Yell - 1987 (Alice Cooper)]

"White Head, Red Hot" [do bootleg Nakano Sunplaza Hall - 1978 (Judas Priest)]

"China White" [do álbum Blackout - 1982 (Scorpions)]

Bloco 02

Abertura: "White Rock" [do álbum White Rock - 1977 (Rick Wakeman)]

"White Car" [do bootleg Into the Garden - 1980 (Yes)]

"White Hammer" [do álbum The Least We Can do is Wave to Each Other - 1970 (Van Der Graaf Generator)] 

"One White Duck / 0^10 = Nothing at All" [do álbum Minstrel in the Gallery - 1975 (Jethro Tull)]

"Nights in White Satin" [do álbum Days of Future Passed - 1967 (Moody Blues)]
"White Mountain" [do bootleg England - 1970 (Genesis)]

Bloco 03

Abertura: "Into White" [do álbum Tea for Tillerman - 1970 (Cat Stevens)]

"White Dove" [do álbum Skynyrd's First and Last - 1978 (Lynyrd Skynyrd)]

"White Summer" [da apresentação no Julie Felix Show - 1970 (Led Zeppelin)]

"Black and White" [do álbum Houses of the Blue Light - 1987 (Deep Purple)]

"The White Boy Troubles" [do álbum Thing Fish - 1983 (Frank Zappa)]

"White Man" [do bootleg Houston 77 - 1977 (Queen)]

Bloco 04

Abertura: "Black Tie, White Noise" [do álbum Black Tie, White Noise - 1993 (David Bowie)]

"White Light, White Heat" [do bootleg Paris - 1993 (Velvet Underground)]

"(White Man) in Hammersmith Palais" [do bootleg Live at 39  Hippodrome Paris - 1981 (The Clash)]

"Bone to Bone (Coney Island White Fish Boy)" [do álbum Night in the Ruts - 1979 (Aerosmith)]

"White" [do bootleg São Paulo, 05/14/2011 - 2011 (The Cult)]

"White Flags" [do álbum Club Ninja - 1986 (Blue Öyster Cult)]

Bloco 05

Abertura: "White Heat" [do álbum True Blue - 1986 (Madonna)]

"White Tornado" [do bootleg Boston - 1983 (R. E. M.)]

"Great White Hope" [do bootleg Capital Centre Largo - 1981 (Styx)]

"White Rabitt" [do álbum Twelve - 2007 Patti Smith]

"White Bird" [do bootleg at San Francisco - 1968 (It's A Beautiful Day)]

Encerramento: "Black or White" [do álbum Dangerous - 1991 (Michael Jackson)]

Maravilhas do Mundo Prog: Ars Nova - Android Domina [2001]

O Japão sempre foi um país onde o rock era mais do que um estilo, sendo quase uma religião. Não a toa, diversas bandas gravaram seus primeiros álbuns 'in the act' na Terra do Sol Nascente, tamanho o fervor do público nipônico em relação aos shows. Deep Purple, Judas Priest, UFO, Viper, Iron Maiden entre outros são alguns exemplos de grandes bandas que fizeram seu legado na pequena ilha da Ásia, deixando influências diversas por lá.

O progressivo no Japão também era algo que se destacava. Curiosamente, as bandas britânicas faziam relativo sucesso por lá, mas eram as bandas italianas que fundiam a cabeça dos japoneses. Não somente isso. Como em tudo o que conhecemos, os japoneses sempre foram mais avançados do que o resto do mundo, e desta forma, o país era um grande exportador de bandas progressivas que hoje são obscuridades caçadas a tapas pelos colecionadores, através de um emprego forte do jazz rock nas composições. 

Algumas bandas e artistas que se destacaram nesse período que compreende os anos 70 e início dos 80 são: Ain Soph, Jimmy, Yoko & Shin,  Toshiyuki Miyama, Kan Mikami, Hiro Koichi, Shingetsu, Stomu Yamashita e claro, a inesquecível Flower Travellin' Band.

Kyoko Kanazawa

Em 1983, a cena progressiva do Japão era tão bizarra quanto uma história do Jaspion. As bandas do estilo que existiam praticamente empregavam muitos sintetizadores e eletrônicos, no que os próprios japoneses definiram como sendo synth-prog, e que de progressivo mesmo tinha apenas a parte experimental. Nesse período que a baixista Kyoko Kanazawa resolveu montar um grupo para homenagear um dos seus principais ídolos, o baixista e vocalista Greg Lake.

Ao lado de Keiko Thubata (teclados) e Yumiko Saito (bateria), nascia o sonho de homenagem a Lake, e consequentemente ao Emerson Lake & Palmer, que foi batizado de Ars Nova (não confundir com o grupo americando de mesmo nome, mas da década de 60). O trio feminino começou a se apresentar por diversas cidades japonesas, chamando atenção pela técnica impecável de Thubata, que acabou deixando o grupo em 1986, sendo substituída por Keiko Kumagai. Com Keiko, o Ars Nova realizou apenas dois shows, e por causa de problemas pessoais, acabou ainda em 1986.

A linda capa de Fear & Anxiety

Mas, em 1991, as garotas se reuniram novamente, e com um contrato com a gravadora Made in Japan Records, lançam Fear & Anxiety (1992), destacando a bela faixa "Fata Morgana". No ano seguinte, Saito foi substituída por Akiko Takahashi, que estreiou no álbum Transi (1994), o qual elevou o nome do Ars Nova para fora do Japão, tornando-as reconhecidas nos Estados Unidos, onde foram atração do Prog Fest de Los Angeles, em 1995.

Em 1997, lançam The Goddess of Darkness, que levou o nome Ars Nova para shows pela europa, bem como a saída de Kyoko Kanazawa em outubro daquele ano. Akiko e Keiko seguiram como dupla, e tendo como baixista convidado Ken Ishita, lançam o quarto álbum, The Book of the Dead, em 1998. Uma gigantesca turnê mundial ocorreu logo após o lançamento de The Book of the Dead, passando por europa, Estados Unidos e alguns países da ásia, tendo no baixo Naomi Miura.

Akiko Takahashi

A dupla então decidiu dar um tempo nas gravações, dedicando-se a projetos paralelos e também a família, até que em 2000, reuniram-se novamente, contando agora com Mika Nakajima (voz, sintetizador, piano, órgão) ao lado de Akiko e Keiko. Com essa formação, lançam o espetacular Android Domina em 2001.

A provocativa capa, com duas mulheres sensualmente uma em cima da outra, já chama a atenção, mas é a sensacional faixa-título que coloca a casa abaixo. Responsável por abrir o CD, "Android Domina" é divida em cinco partes, e criativamente, explora o piano como sendo o divisor dos temas da pequena suíte. Ela começa com os gemidos sensuais de uma moça em plena atividade sexual, seguido por barulhos percussivos, que a medida que aumentam de intensidade, aumentam também a intensidade dos gemidos, explodindo nos acordes dos sintetizadores de Nakajima.  Essa parte é chamada de "Transformer", e após os acordes de Nakajima, é a vez de Keiko surgir com seus sintetizadores, fazendo um tema em cima dos acordes de Nakajima, que tornam-se sombrios, retomando os gemidos e levando a um curto tema do sintetizador, muito na linha dos temas de Rick Wakeman nos clássicos Journey to the Center of the Earth (1974) e Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table, encerrando "Transformer" com acordes de piano.

Então, sintetizadores, percussão como chicotes e bateria abrem "Desire", em um ritmo frenético, para então baixo e bateria comandarem o andamento das intervenções do sintetizador de Keiko, variando o ritmo até chegarmos a um belíssimo tema clássico dos sintetizadores de Keiko, com o piano de Nakajima dando um show ao fundo. O tema é repetido, destacando as belas mudanças de ritmo de Akiko, para o piano quebrar o ritmo em uma linha muito próxima a "Tocatta" (Emerson Lake & Palmer), com muitos barulhos de sintetizadores em um andamento complicado e repleto de percussões, as quais abrem espaço para um longo acorde de órgão hammond.

Keiko Kumagai

Esse acorde termina quando Nakajima começa a cantar a letra de "Hypnosis", um lindo trecho com piano e sintetizadores executando um tema clássico que acompanham os vocais de Nakajima. O órgão de igreja se destaca, fazendo o belo solo central sozinho, com escalas fantásticas e realmente hipnotizantes, trazendo o sintetizador solando ao fundo, fechando essa parte da canção com o piano novamente quebrando tudo junto com a percussão.

O ritmo aumenta, e o hammond toma conta. Entramos em "Instinct", onde Keiko demonstra sua habilidade no hammond, tendo ao fundo o espetacular acompanhamento da bateria de Akiko e também do excelente dedilhado de Nakajima. Fãs de Emerson Lake & Palmer, ouçam aqui a versão feminina japonesa do grupo, principalmente quando Nakajima passa a solar em cima do moog, relembrando o tema de "In the Hall of the Mountain King" em alguns momentos.

Por fim, "Resurrection" surge após um espetáculo sonoro do hammond e do piano, retomando os temas iniciais de "Transformer", em uma velocidade mais cadenciada da bateria de Akiko, que faz rolos simples mas precisos, fechando essa maravilha com a percussão e o piano, como sempre, fazendo o encerramento. 

Android Domina conta ainda com as belas passagens clássicas de "All Hallow's Eve", a trabalhadíssima "Horla Rising" e a excelente "Bizzarro Ballo in Maschera", merecedora de ser chamada de maravilha assim como a faixa-título, além de outras duas boas composições ("Mother" e "Succubus"),  que demonstram como a entrada de Nakajima aproximou o som do Ars Nova ao mundo da música clássica, já que a participação do piano deu uma nova cara as viagens eletrônicas dos teclados de Keiko.

Kyoko, Keiko e Akiko

Depois ainda vieram Biogenesis Project (2003), que contém diversos convidados, entre eles Masuhiro Goto, o qual acabou substituindo Akiko na bateria, bem como Shinko Shibata substituiu Nakajima. Goto durou até 2005, quando Hazime assumiu o posto. Nesse ano, o grupo lançou Force for the Fourth, e o último álbum do grupo é Seventh Hell, lançado em 2009 e já contando também com o guitarrista Satoshi Handa, mantendo as influências elpísticas em boas composições, mas que perto de "Android Domina" são apenas pequenas estrelas na gigantesca galáxia explorada pelo grupo no ano de 2001.

5 anos sem Syd Barrett?

Ainda lembro daquela manhã da sexta-feira, dia 07 de julho de 2006. Em um frio de ranguear cusco, me acordei e fui direto para o PC acompanhar os downloads que o antigo winmx havia feito para mim. Na época, eu ainda morava com o meu irmão Micael, e tínhamos a mania de acessar essa espécie de e-mule para fazer downloads de diversos discos e vídeos que jamais teríamos acesso se não fosse a bendita internet criado pelo CERN lá nos anos 90.

Pois eis que abro a página de um tradicional jornal local e me deparo com a notícia: "Líder do Pink Floyd morre em Cambridge". Como assim? David Gilmour? Ou Roger Waters? Claro, o sono e o frio do amanhecer não me fizeram racionar, e somente quando abri a notícia é que estava lá: o líder era Syd Barrett.

Mason, Waters, Wright e Barrett

Confesso que na hora não entendi, e até hoje não entendo a notícia. Deixe-me explicar. Guitarrista, vocalista, principal letrista, fundador e autor do nome de uma das maiores bandas do rock progressivo mundial, Syd Barrett veio ao mundo em 06 de janeiro de 1946, e com apenas 19 anos, fundou o Pink Floyd, ao lado do citado Roger Waters (baixo, voz). Contando com a companhia de Nick Mason (bateria) e Rick Wright (teclados, voz), o grupo lançou em 1967, logo na sua estreia, um álbum que mudou a história do rock para sempre.

The Piper at the Gates of Dawn mostrou aos americanos (e ao mundo) que os ingleses também estavam absorvendo a cultura LSD, e além disso, estavam empregando as viagens alucinógenas para criar canções delirantes e incrivelmente sem sentido para um 'careta', mas que abriam um novo mundo para um cara que já tivesse 'andado por outros mundos'.

Canções como "Pow R. Toc H.", "The Gnome" "Bike" e as essenciais "Astronomy Domine" e "Interstellar Overdrive" são aulas de experimentalismo, chapação e psicodelia, carregando em teclados viajantes, notas perdidas e vocalizações mais que estranhas, fundamentais para influenciar diversas bandas com o passar dos anos, que aperfeiçoaram essa psicodelia e transformaram-na no rock progressivo que conhecemos hoje em dia.

Fundamental estreia do Pink Floyd

Obviamente, a mente de Syd Barrett, criadora de toda essa parafernália sonora, não podia ser uma mente sã, e creio que 99% das canções compostas por ele saíram em um momento de extrema viagem no LSD. O consumo pesado da droga afetou diretamente o cérebro do músico, que em uma escala muito veloz, acabou deteriorando sua vida. Em uma questão de semanas após o lançamento de The Piper at the Gates of Dawn, Barrett já não era mais o mesmo.

Mal conseguindo ficar em pé nos shows, quieto durante as entrevistas e perdido em uma viagem única, Barrett acabou sendo demitido do Pink Floyd, substituído por David Gilmour, e assim, o Pink Floyd ganhava uma sonoridade mais amena para seu lado psicodélico, que o levou ao topo das maiores bandas de rock progressivo (a frente de Yes, King Crimson, Genesis, Emerson Lake & Palmer, ...). A última participação de Barrett com o Pink Floyd foi no álbum A Sacerful of Secrets, na canção "Set the Controls for the Heart of the Sun".

O enlouquecido Madcap Laughs

Com a ajuda dos amigos, o guitarrista ainda conseguiu registrar dois LPs: o incrível Madcap Laughs (ouça "Terrapin" e depois dos arrepios, duvido que você não fique uma semana pensando: "como ele gravou isso?"), lançado em 1970, e Barrett, esse não tão bom, lançado também em 1970. Depois, literalmente sumiu do mapa. 

Syd Barrett visitando o Pink Floyd em 1975

Sumiu mesmo, ninguém sabia do seu paradeiro. Até que durante as gravações do álbum Wish You Were Here (lançado pelo Pink Floyd em 1975), que curiosamente homenageia o guitarrista, ele apareceu nos estúdios onde o Pink Floyd registrava o LP, totalmente diferente do que os seus ex-companheiros de banda o conhecia. Gordo, careca e ainda com seu estilo quieto, passou despercebido por David Gilmour e Nick Mason, sendo reconhecido apenas por Waters, que ao ver as grossas sobrancelhas do amigo, lhe deu um emocionado abraço.

Sessão de fotos de Madcap Laughs

"Shine On You Crazy Diamond", canção que ocupa boa parte de Wish You Were Here, é uma das mais emocionantes canções já gravadas por um grupo em homenagem à um ex-membro, que expressa todo o sentimento que os membros do Pink Floyd sentiam pela ausência do amigo Syd Barrett, mesmo ele estando vivo.

E aí que está o problema de eu não entender a tal morte de Syd Barrett, e da interrogação no título desse post.  Ele realmente faleceu em 07 de julho de 2006? Bom, eu honestamente não creio. O legado deixado por ele, mesmo tendo gravado apenas três discos, e recebido diversas coletâneas com material inédito, como Opel (1988) e Crazy Diamond (1993), permanece correndo pelas ruas e becos de todo planeta através de jovens que nem se quer conhecem a história de Barrett, mas que por exemplo, ao ouvirem bandas como Radiohead, Oasis, White Stripes entre outros, de uma forma ou de outra recebem a dose psicodélica do suor com LSD que Barrett expeliu durante as gravações de The Piper at the Gates of Dawn.

Syd Barrett e seu sorriso sombrio

Ainda, particularmente, não são poucas as vezes em que, nas minhas 'viagens alcoólicas' no meu quarto escuro, ouvindo algum disco mais delirante, Barrett sentou-se do meu lado e começou a conversar comigo. Por que disso, fácil. Barrett simplesmente vive na minha mente dia e noite, e sempre que aparece algo mais viajante para fazer, com um sorriso sombrio, sobrancelhas grossas e o olhar longe no infinito, vem compartilhar suas cores caleidoscópicas com a minha viagem.

Sessão de fotos de Madcap Laughs

Hoje, 07 de julho de 2011, está o mesmo frio que há cinco anos atrás (3 graus pela manhã). Certamente, durante a noite, o PULSE ou o Atom Heart Mother irão rolar na vitrola, e obviamente The Piper at the Gates of Dawn irá encerrar a noite, acompanhado de um Johnny Walker 12 anos e alguns pedaços de salame com queijo. Barrett deve aparecer, e essa noite, eu vou dizer para ele: "You are still shining on, Crazy Diamond!".

Notícias Fictícias que Gostaríamos que Fossem Reais – IT, a união dos maiores flautistas do progressivo

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

Notícias Fícticias que Gostaríamos que Fossem Reais é uma sessão da Consultoria do Rock onde apresentamos notícias fictícias, mas que poderiam se tornar reais em algum momento de nossas estadas aqui na Terra. A intenção não é gerar polêmcias ou controvérsias sobre determinados fatos, mas apenas incitar a discussão sobre o que ocorreria se o mesmo fato chegasse a acontecer.

Quem são os maiores flautistas da história do rock? Bom, o leitor mais atento logo vai reconhecer em Ian Anderson (líder do grupo britânico Jethro Tull) e Thijs Van Leer (líder do grupo holandês Focus) os principais candidatos para preencher essa lacuna, estando completamente corretos em sua resposta. Ambos possuem carreiras magníficas liderando suas bandas durante os anos 70, não sendo apenas flautistas, mas também multi-instrumentistas, com Ian tocando (e muito bem) saxofone, violão, acordeão e harmônica, além de cantar, e Thijs esmerilhando órgão, piano e claro, cantando seus tradicionais yodels (técnica vocal muito empregada pelo cantor).

O sonho de muitos proggers em unir essas duas lendas vivas do rock progressivo vem desde o lançamento dos primeiros álbuns de cada grupo, afinal, quem nunca confundiu “House of the King” (Focus) como sendo uma canção do Jethro Tull que atire a primeira pedra. Mas graças a uma produção independente unindo ambos, finalmente os admiradores dos diferentes e ao mesmo tempo similares estilos dos músicos podem conferir essa união no álbum IT, cujo nome, apesar de significar a palavra "isto", é formado pelas iniciais dos músicos.

Ian Anderson

Passeando logicamente pela carreira de seus principais grupos, Ian e Thijs exibem-se com soberania e distinção não somente na flauta, mas também nos outros instrumentos citados, criando versões por vezes longes das originais, e que você só irá reconhecer talvez pela melodia central, mas distante de ser algo depreciativo.

Pelo contrário, IT é uma aula de boa música. Gravado em duas semanas no estúdio caseiro de Anderson, esse álbum duplo divide-se entre canções compostas pelo líder do Jethro Tull e canções compostas por Van Leer. Portanto, no disco 1 temos as canções de Anderson, começando pela emocionante versão de “Pussy Willow” (Jethro Tull), com Thijs no piano e Ian no violão. Sem explorar os clássicos, a dupla concentra-se em canções mais desconhecidas do Jethro Tull, oferecendo “Round”, “Just Try To Be”, “Boureé” (essa com um show de Thijs Van Leer), “Only Solitaire”, “Wondering Aloud” (na sua versão do álbum Living in the Past, de 1973, com Thijs no órgão e Ian na flauta), “Slipstream”, “From Later” e as arrepiantes “Dark Ages” e “Thinking Round Corners”, recriadas com órgão de igreja, saxofone e com belos duelos entre as flautas.

Thijs Van Leer

O disco 2 explora as canções do Focus, abrindo com uma interpretação sensacional para a já citada “House of the King”, com Ian no violão e saxofone e Thijs no piano e flauta, além da fantástica “La Catedrale de Strasbourgh” (cantada por Anderson), “Sylvia” (com Anderson no violão e flauta, enquanto Thijs está apenas no órgão), “Focus I”, Focus II”, “Out of Vesuvius”, “Delitiae Musicae”, “Focus 8” e “King Kong”, essa em uma versão muito melhor do que a encontrada no fraco Focus (1985).

Além disso, a carreira solo dos músicos também foi destacada. No disco 1, as canções “Walk Into Light” (do álbum de mesmo nome, lançado em 1983) e "At Their Father's Knee" (extraída de Divinities: Twelve Dances With God, lançado em 1995) foram as escolhidas, enquanto no disco 2, “Reigen Seliger Geister” (presente em Introspection 3, lançado em 1977) e "Hollywood Blues" (do álbum I Hate Myself for Loving You, de 1987) são as que irão lhe encantar, além da maravilhosa versão para "Siciliano (from Sonata In E Flat Major For Flute & Harpsichord)", de Bach. A curiosidade maior é que as canções da carreira solo de Anderson são interpretadas por Van Leer, e vice-versa.

Bruce Dickinson, convidado especial de IT

Outro grandes destaque de IT é a participação de convidados mais que especiais. Bruce Dickinson (Iron Maiden) foi chamado para fazer os vocais de uma versão linda e extremamente acústica para “Cross Eyed Mary”, com Thijs no piano e no órgão de igreja, além de Ian no acordeão, violão e mandolim, enquanto Jan Akkerman (guitarrista do Focus) é o responsável pelo alaúde na também linda interpretação para “Focus III”.

Como bônus, uma divertida versão para a clássica “Hocus Pocus” (Focus), com Dickinson tocando baixo, Anderson na bateria, Akkerman na guitarra e Van Leer no órgão. Os hilariantes yodels de Anderson e Dickinson são impagáveis, e certamente irão propiciar muitas risadas.

Mas o que importa realmente é a união de dois gênios do rock progressivo em um disco único. Sonoridades clássicas brotam em todo o álbum, e é impossível saber qual dos dois se destaca mais, até por que eles são responsáveis por todos os instrumentos (a menos nas canções citadas), o que torna o trabalho ainda mais atraente. Encomende o seu e prepare-se para pouco mais de duas horas de uma viagem de ida com destino ao paraíso, onde você irá querer ficar por um bom tempo.

Disco 1: "The Ian Songs"

1. Pussy Willow

2. Just Try To Be

3. Boureé

4. Round

5. Dark Ages

6. Walk Into Light

7. Only Solitaire

8. Slipstream

9. Wondering Aloud

10. Thinking Round Corners

11. Cross Eyed Mary

12. At Their Father's Knee

13. From Later

Disco 2: "The Thijs Songs"

1. House of the King

2. La Catedrale de Strasbourgh

3. Sylvia

4. Delitiae Musicae

5. Reigen Seliger Geister

6. Focus I

7. Focus II

8. Focus III

9. Focus 8

10. Out of Vesuvius

11. Hollywood Blues

12. King Kong

13. Siciliano (From: Sonata In E Flat Major For FLute & Harpsichord)

14. Hocus Pocus [Faixa Bônus]

Podcast Grandes Nomes do Rock #26: Singing the White

Por Mairon Machado (Publicado originalmente no blog Consultoria do Rock)

O Podcast Grandes Nomes do Rock dessa semana é especial. Seguindo a homenagem às cores, desta vez o BRANCO será destacado em diversas canções. Rock nacional, metal, anos 80, clássicos dos anos 70 e um bloco somente com rock progressivo são alguns dos temperos de duas horas de muitas canções com a palavra WHITE em seu nome.

Representação gráfica de uma das canções desse Podcast

Track list Podcast # 25: Saxon

Bloco 01

Abertura: "Militia Guard" [do álbum Saxon - 1979]

"Heavy Metal Thudner" [do álbum Strong Arm of the Law - 1980]

"Northern Lady" [do álbum Rock the Nations - 1986]

"Altar of the Gods" [do álbum Solid Ball of Rock - 1991]

"Eagle has Landed" [do bootleg Live at Wäcken - 1983]

"Jalk Tars" [do álbum Lionheart - 2004]

"Hellcat" [do álbum Into the Labirinth - 2009]

Bloco 02

Abertura: "747 (Strangers in the Night)" [do bootleg Live '83 - 1983 ]

"Ride the Like Wind" [do álbum Cristopher Cross - 1979 (Cristopher Cross)]

"In the Court of the Crimson King" [do bootleg Fillmore - 1969 (King Crimson)]

"Set Me Free" [do álbum Sweet Fanny Adams - 1974 (Sweet)]

Bloco 03

Abertura: "Devil Rides Out" [do álbum Innocence is no Excuse - 1985]

"Love Your Misery" [do álbum Victim You - 1996 (Son of a Bitch)]

"Claw" [do álbum Orgasmatron - 1986 (Motörhead)]

"I Want to be Free" [do álbum Anthem - 1981 (Toyah)]

"The Alliance of Hell Hounder" [do álbum Inventor of Evil - 2005 (Destruction)]

"All Along the Watchtower" [do bootleg Nelson's Act - 2009 (Spirit of the Experience)]

Bloco 04

Abertura: "Sea of Life" [do álbum Metalhead - 1999]

"Under the Hammer" [do álbum Killer Elite - 1985 (Avenger)]

"Who Needs Love Songs" [do álbum Filth Hounds of Hades - 1982 (Tank)]

"Rock Brigade" [do bootleg Live in London - 1979 (Def Leppard)]

"Euthanasia" [do álbum Wild Cat - 1980 (Tygers of Pan Tang)]

"Transylvania" [do vídeo Raising Hell - 1994 (Iron Maiden)]

Bloco 05: "Call to Arms (Orchestral Version)" [do álbum Call to Arms - 2011]